Rick & Morty, una serie valeverguista


La serie sólo quiere responder a una pregunta: ¿qué tal si existiera en el mundo alguien que lo supiera todo? Y la respuesta es simple: sería como Rick.

Muchos han dicho que Rick & Morty es una serie científica, y lo cierto es que no están muy equivocados. Rick & Morty podría ser física cuántica y teórica ilustradas, con una mezcla de sátira y humor negro, pero más que todo, una excusa para decirnos que todo vale verga.

La serie sólo quiere responder a una pregunta: ¿qué tal si existiera en el mundo alguien que lo supiera todo? Y la respuesta es simple: sería como Rick.

La máxima de Sócrates «solo sé que nada sé» es tan simple como reza, significa que todo el conocimiento que llegues a tener sólo servirá para darte cuenta de que eres ignorante, e insignificantemente intrascendente, que nada tiene sentido, que nada vale la pena, porque esta mierda no tiene fin y entonces… todo vale verga.

Este es Rick, un científico que lo sabe todo, que lo inventa todo y tiene una solución para todo, pero que nada lo satisface. Posiblemente un suicida potencial, pero que es tan egoísta que no es capaz de apuntar un desintegrador de partículas hacia sí mismo. Rick no tiene respeto por la vida, ni por las leyes de la naturaleza, ni del universo, porque sabe que todo tiene solución, y para alguien tan listo como Rick, nada que tenga solución vale la pena.


El rey Midas pidió riquezas antes que sabiduría, para descubrir que tanta riqueza vale verga. El rey Salomón pidió sabiduría antes que riquezas, para llegar a la conclusión de que todo vale verga.

Esta la esencia de Rick, su vida cotidiana, su familia, la ciencia por la que vive por desdén, como si se tratara de los pescaditos de oro del coronel Aureliano Buendía… nada tiene validez para él, porque alguien que conoce millones de mundos paralelos donde todo es perfecto, no puede conformase con esas nimiedades. Sólo con Morty, su nieto, a quien quiere rescatar de las estupideces de este mundo; sin embargo, aún Morty es prescindible, porque hay millones de Mortys y millones de Ricks a quien matar para reemplazarse por ellos cuando todo salga mal.

Definitivamente qué miedo ser Rick, qué miedo ser tan listo y tan sabio, qué miedo saber que hay algo más allá y que ni mil vidas te alcanzan para conocerlo. Qué miedo llegar a verle la cara al mismo D’s y salir decepcionado.

La lista de nominados a los Oscar este año


Esta es la lista completa de nominados a la deseada estatuilla en la gala de la 91 versión de los premios Oscar este 24 de febrero:

Hace un par de semanas La Academia de Cine de Hollywood ha anunciado la lista de los nominados a los Oscar de este año, y, para sorpresa de muchos, Bohemian Rapsody, la película sobre la vida de Freedy Mercury y su banda Queen que más prometía nominaciones importantes, sólo obtuvo una para la formidable actuación de Rami Malek en el papel estelar y otra como mejor película. Por su parte, Roma, la alabada película dirigida por Alfonso Cuarón tuvo 10 nominaciones incluyendo mejor película, mejor dirección y mejor guion original.
Esta es la lista completa de nominados a la deseada estatuilla en la gala de la 91 versión de los premios Oscar este 24 de febrero:

MEJOR PELÍCULA


Green Book: ganadora a tres globos de oro incluyendo mejor película comedia o musical. En época de segregación racial, un pianista negro contrata a un rudo italoamericano para que sea su escolta durante una gira por el sur de los Estados Unidos.
Black Panter: sería el primer filme de superhéroes que ganaría un Óscar a mejor película, con una historia que rompe con los esquemas y los típicos clichés de este género. Basada en el cómic homónimo de Marvel, T´Chala nuevo rey y protector del país de Wakanda como el Pantera Negra, tendrá que enfrentarse a un enemigo igual de poderoso en la lucha por el reino y el bienestar de su nación.
Roma: Con diez nominaciones, esta película es un retrato visual de México de los años 70. La historia se cuenta a través de Cleo, una mujer mixteca que trabaja como empleada del servicio doméstico en la colonia Roma.
A Star Is Born: La tercera adaptación de la película homónima de 1937. El conocido actor Bradley Cooper escribió, dirigió y protagonizó este drama musical romántico al lado de la cantante Lady Gaga. Jackson, una estrella de música country con problemas de alcoholismo, descubre el talento de Ally, una joven cantante de la que se enamora. Mientras la carrera de ella asciende, Jackson se da cuenta de que sus días de gloria han llegado a su fin.
Vice: Nuevamente Christian Bale asume otra transformación física para interpretar, esta vez, el papel de Dick Cheney, el vicepresidente más poderoso que tuvo Estados Unidos.
The Favourite: protagonizada por Emma Stone, Rachel Weisz, Olivia Colman, este otro biopic narra la historia de Ana de Gran Bretaña (1707-1714), la última soberana británica de la Casa de los Estuardo.
Bohemian Rapsody: La vida y obra de Freddy Mercury dentro de una de las bandas más importantes de la historia de la música fue merecedora de esta nominación.
BlacKkKlansman: Esta comedia dramática de Spike Lee está basada en una historia real donde un policía negro se infiltra nada menos que en las filas del Ku Klux klan.

MEJOR PELÍCULA DE HABLA EXTRANJERA


Cafarnaúm: Dirigida por Nadine Labaki, esta película libanesa fue ovacionada por quince minutos en el Festival de Cine de Cannes donde recibió el Premio del Jurado.
Never Look Away: Un filme alemán que aborda la historia de Alemania desde el nazismo hasta el dominio comunista en el Este, a través del personaje principal que sigue atormentado por los recuerdos de su infancia bajo el dominio nazi.
Manbiki Kazoku: Escrita y dirigida por Hirokazu Kore-eda narra el drama de una mísera familia japonesa que decide adoptar a una niña abandonada.
Cold War: una historia de amor en medio de la Guerra Fría.
Roma: Sin duda, al menos una de las dos estatuillas que premian la mejor película del año estará en la estantería del director Alfonso Cuarón.

MEJOR DIRECTOR


Pawel Pawlikoswski por Cold War
Yorgos Lanthimos, por The Favourite.
Alfonso Cuarón, por Roma
Adam Mckay, por Vice
Spike Lee, por BlacKkKlansman

MEJOR ACTOR


Willem Defoe (Vincent Van Gogh), por At Eternity’s Gate: una película biográfica que narra los últimos años de vida del pintor Vincent Van Gogh
Christian Bale, (Dick Cheney), por Vice
Bradley Cooper (Jackson Maine), por A Star Born
Rami Malek (Freddy Mercury), por Bohemian Rapsody
Viggo Mortinsen (Frank «Tony Lip» Vallelonga), por Green Book

MEJOR ACTRIZ


Glenn Close (Joan Castleman) por The Wife, película basada en la novela homónima sobre la esposa de un premio Nobel de Literatura.
Melissa McCarthy (Leonore Carol «Lee» Israel), por Can You Ever Forgive Me? Comedia dramática basada en las memorias de la escritora Lee Israel,
Yalitza Aparicio (Cleodegaria “Cleo” Gutiérrez), por Roma.
Olivia Colman (Reina Ana Estuardo), por The favourite.
Lady Gaga (Ally), por A Star Born.

MEJOR ACTOR SECUNDARIO


Mahershala Ali (Don Shirley), por Green Book
Adam Driver (Flip Zimmerman), por Blackkklansman
Sam Elliott (Bobby Maine), por A Star Born
Richard E. Grant (Jack Hock), por Can You Ever Forgive Me?
Sam Rockwell (George W. Bush), por Vice

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Regina King (Sharon Rivers), por If Beale Street Could Talk, un filme escrito y dirigido por Barry Jenkins. Basada en la novela homónima de James Baldwin
Amy Adams (Lynne Cheney), por Vice
Marina de Tavira (Sofía), por Roma
Emma Stone (Abigail Masham), por The Favourite.
Rachel Weisz (Sarah Churchill), por The Favourite.

MEJOR GUION ORIGINAL

Firs Reformed, escrito por Paul Schrader, narra la historia de un pastor evangélico radicalizado por su encuentro con un activista medioambiental.
Green Book, escrito por Nick vallelonga, Brian Currie y Peter Farrelly.
Roma, escrito por Alfonso Cuarón.
The Favourite, escrito por Devorah Davis y Tony McNarama.
Vice, escrito por Adam Mckay.

MEJOR GUIÓN ADAPTADO
The Ballad of Buster Scruggs, escrito por Joel y Ethan Coen inspirados en los relatos literarios de Stewart Edward White y Jack London.
Blackkklansman, escrito por Spike Lee y basada en el libro Black Klansman del autor Ron Stallworth.
Can you ever forgive me? escrito por Nicole Holofcener y Jeff Whitty, basados en las memorias de Lee Israel del mismo nombre.
If Beale Street Could Talk, escrito por Barry Jenkins, basado en la novela homónima de James Baldwin.
A star Born, escrito por Bradley Cooper, Erick Roth y Will Fetters, basados en el guion original de la película homónima de William A. Wellman

MEJOR PELÍCULA ANIMADA


The Incredibles, de Brad Bird.
Isle of Dogs, de Wes Anderson.
Mirai no Mirai, de Mamoru Hosoda.
Ralph Breaks the Internet, de Rich Moore y Phil Johnston.
Spider-Man: Into the Spider-Verse, de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman

MEJOR FOTOGRAFÍA
Cold War, de Lukasz Zal.
The Favourite, de Robbie Ryan.
Never Look Away, de Caleb Deschanel.
Roma, de Alfonso Cuarón.
A Star Born, de Matthew Libatique.

MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN
Black Panther, de Hannah Beachler.
The Favourite, de Fiona Crombie y Alice Felton.
First Man, de Nathan Crowley, Kathy Lucas.
Mary Poppins Returns, de John Myhre y Gordon Sim..
Roma, de Eugenio Caballero y Bárbara Enrı́quez.

MEJOR VESTUARIO
The ballad of Buster Scruggs, de Mary Zophres.
Black Panther, de Ruth E. Carter.
The Favourite, de Sandy Powell.
Mary Poppins retorns, de Sandy Powell.
Mary, Queen of Scots, de Alexandra Byrne.

MEJOR MONTAJE
Blackkklansman, de Barry Alexander Brown.
Bohemian Rhapsody, de John Ottman.
Green Book, de Patrick J. Don Vito.
The Favourite, de Yorgos Mavropsaridis.
Vice del poder, de Hank Corwin.

MEJORES EFECTOS ESPECIALES
Avengers: Infinity War, de Dan DeLeeuw, Kelly Port, Russell Earl y Daniel Sudick.
Christopher Robin, de Chris Lawrence, Mike Eames, Theo Jones y Chris Corbould.
First Man, de Paul Lambert, Ian Hunter, Tristan Myles y J.D. Schwalm.
Ready Player One, de Roger Guyett, Grady Cofer, Matthew E. Butler y David Shirk.
Solo: A Star Wars Story, de Rob Bredow, Patrick Tubach, Neal Scanlan y Dominic Tuohy.

MEJOR MAQUILLAJE
Border, de Göran Lundström y Pamela Goldammer.
Mary, Queen of Scots, de Jenny Shircore, Marc Pilcher yJessica Brooks.
Vice, de Greg Cannom, Kate Biscoe yPatricia DeHaney.

MEJOR MONTAJE DE SONIDO
A quiet place
, de Ethan Van der Ryn y Erik Aadahl.
Black Panther, de Benjamin A. Burtt y Steve Boeddeker.
Bohemian Rhapsody, de John Warhurst.
First Man, de Ai-Ling Lee y Mildred Iatrou Morgan.
Roma, de Sergio Díaz, Skip Lievsay

MEJOR MEZCLA DE SONIDO
Black Panther, de Steve Boeddeker, Brandon Proctor yPeter J. Devlin.
Bohemian Rhapsody, de Paul Massey, Tim Cavagin y John Casali.
First Man, de Jon Taylor, Frank A. Montaño, Ai-Ling Lee yMary H. Ellis.
Roma
, de Skip Lievsay, Craig Henighan y José Antonio García.
A star born, de Tom Ozanich, Dean A. Zupancic, Jason Ruder y Steven Morrow.

MEJOR BANDA SONORA
Black Panther, de Ludwig Goransson
Blackkklansman, de Terence Blanchard
The blues of Beale Street, de Nicholas Britell.
Isle of Dogs, de Alexandre Desplat.
Mary Poppins returns, de Marc Shaiman y Scott Wittman.

MEJOR CANCIÓN ORIGINAL
All The Stars, de Black Panther
I’ll Fight
, de RBG.
Shallow, de A star born
The Place Where Lost Things Go, de Mary Poppins returns
When A Cowboy Trades His Spurs For Wings, de The ballad of Buster Scruggs

MEJOR DOCUMENTAL
Free Solo, de Jimmy Chin y Elizabeth Chai Vasarhelyi.
Hale County This Morning, This Evening, de RaMell Ross.
Minding the Gap, de Bing Liu.
De padres e hijos, de Talal Derki.
RBG, de Betsy West y Julie Cohen.

MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL
Ovejas asesinas, de Ed Perkins.
End Game, de Rob Epstein y Jeffrey Friedman.
Lifeboat, de Skye Fitzgerald.
A Night at the Garden, de Marshall Curry.
Period. End of Sentence, de Rayka Zehtabchi.

MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN
Detainment, de Vincent Lambe.
Fauve, de Jeremy Comte.
Marguerite, de Marianne Farley.
Madre, de Rodrigo Sorogoyen.
Skin, de Guy Nattiv.

MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO
Animal Behaviour, de Alison Snowden y David Fine.
Bao, de Domee Shi.
Late Afternoon, de Louise Bagnall.
One Small Step, de Andrew Chesworth y Bobby Pontillas.
Weekends, de Trevor Jimenez.

Bird Box, ¿viral o exitosa?

Las cosas exitosas suelen hacer mella en las personas. Logran que la gente quiera volver a ellas hasta con el recuerdo. Lo viral, en cambio, suele olvidarse.

En estos tiempos hay que saber diferenciar lo exitoso de lo viral. Entender que una cosa puede tener amplia aceptación por su gran calidad o simplemente porque se antoja divertida. En el segundo caso, hablamos de viralización. La cosa se vuelve divertida pero pasajera. En cambio, las cosas exitosas suelen hacer mella en las personas. Logran que la gente quiera volver a ellas hasta con el recuerdo. Lo viral, en cambio, suele olvidarse. Tal como olvidaremos ese cúmulo de gráficas sin sentido que se llama Bird Box.

Una película que se mueve entre el suspenso y el terror, pero nunca puede consolidar ni lo uno, ni lo otro. La clave de todos sus errores está en la falta de argumentos. El argumento central de la película no se sostiene porque no sabe cómo hilvanar el juego simbólico que propone. Un argumento no debe mostrarse abiertamente para que una película logre tomar forma y estar definida como una buena obra; más que mostrar la idea y dejarla clara, debe desarrollarla con la experticia técnica y consolidarla, explícita o implícitamente, hasta que los significados y las emociones logren calar en el espectador. Nada de esto hace Bird Box.

Dicho de otro modo, la película está en un limbo semántico. La invisibilidad del monstruo que ataca a las personas, sólo es símbolo de la invisibilidad semántica de toda la película. Las distintas simbologías que se le quieran atribuir a este filme, no surgen de las virtudes fílmicas de la cinta sino de la autosugestión. Bird Box no tiene argumento que la sustente, y por ello todos sus intentos de generar emociones se vuelven absurdos.

Todo es inverosímil: el suspenso, el terror, los detalles, la caracterización de los personajes, el desenlace, etc. Sandra Bullock se esmera por desarrollar una actuación aceptable. Es, quizás, lo único que podemos rescatar del filme, sin embargo, esto termina siendo un detalle aislado cuando evaluamos la obra en su totalidad. La actuación de Sandra queda como un esfuerzo vano, porque no hay argumento que la respalde.

Es imposible, entonces, no recordar The Birds, la clásica película de Alfred Hitchcock. En esta cinta hay una clara demostración de cómo hacer mucho con poco. En el clásico permanece la falta de explicación racional para entender por qué a los pájaros se les ha dado por atacar a las personas. Pero más allá de pretender conseguir una compleja significación que ayude al espectador a conectarse con la obra, Hitchcock apunta a la depuración técnica para desarrollar la idea. Al final, esa idea sólo resulta ser una excusa para estructurar magistralmente la narración cinematográfica. Todo complementado con diálogos interesantes y personajes verosímiles que logran llevar las sensaciones de suspenso y terror.

En cambio, en Bird Box, los personajes son extremadamente predecibles y clichés. El bueno, el malo, el nerd, la ingenua, el tonto, etc. Caracterizaciones tan planas y sencillas que arrastran predeciblemente su intrascendencia. Esta situación, sumada a los diálogos pobres, hace que no haya ambientación propicia para sentir el clima de suspenso. Y si alguna vez lo consigue, cae en un error peor, no lograr mantenerlo. Lo que hace que el espectador no mantenga la concentración y termine frustrado y aburrido.

Bird Box no es más que un fenómeno viral pero no exitoso. Una película hecha para encontrar, en estos tiempos de insomnio crónico, los magníficos placeres del sueño. Porque es tan aburrida que sólo invita a dormir, para luego despertar y haberla olvidado del todo.

Stan Lee, el hombre del trazo inmortal

La vergüenza de Stanley por culpa de su oficio era tal que cambió su nombre por su pseudónimo. Así nació Stan Lee.
Fotografía tomada de fayerwayer.com

Stanley Lieber se adentró en el mundo del cómic a muy temprana edad y ayudó a construir los cimientos de un universo negado para la realidad. Inició su construcción en tiempos difíciles, en los que la valía de un hombre se medía por su capacidad para amasar fortuna o alcanzar la fama proviniendo de la pobreza absoluta.

En el país de las oportunidades, el joven Stanley se avergonzada de su oficio. En más de una entrevista se le escuchó decir, «sentía vergüenza por dedicarme a escribir cómics mientras otros construían puentes, levantaban edificios, buscaban la cura para una enfermedad». La vergüenza de Stanley por culpa de su oficio era tal que cambió su nombre por su pseudónimo. Así nació Stan Lee.

Si hoy consultas en Google el nombre de Stan Lee, al pie de la fotografía dirá: Stan Lee, escritor. Pero en sus inicios, dedicarse a la creación de cómics era un pasatiempo, indigno de ser puesto al nivel de una novela o un libro de poemas. Lee así lo entendía, por ello cambió su nombre y optó por encarnar su pseudónimo, pues tenía la firme aspiración de escribir una novela, y en ella poner el nombre que sus padres le habían dado: Stanley Martin Lieber.

Pero una cosa son los anhelos del hombre y otra son los caminos que el universo tiene trazados. Stan Lee, ese pseudónimo que nació de la vergüenza, estaba destinado a hacer del universo un lugar pequeño, a mostrar la fragilidad de la vida, de los planetas. Es Stan Lee quien inscribe su nombre en las historias más inspiradoras de la segunda mitad del siglo XX y las dos primeras décadas del siglo XXI.

Stan Lee, como si encarnara a uno de sus más queridos personajes, logró eliminar de su ser a aquel hombre racional que le decía: esto es un chiste, no manches tu nombre con esta basura de los cómics.

Ese hombre racional se llamaba Stanley Martin Lieber, quien nació junto con Stan Lee, pero murió a muy temprana edad.

Cinco Youtubers críticos de cine y de series que debes seguir

El mundo de la crítica cinematográfica cambió con los YouTubers.
Fotografía tomada de glupers.com

El mundo de la crítica cinematográfica cambió con la entrada en escena de los YouTubers. Ya no es necesario esperar a leer la crítica especializada en los diarios nacionales, en YouTube se pueden encontrar críticas de calidad, dadas en un ambiente ameno.

El lenguaje permite que puedan ser disfrutadas tanto para los entendidos, como para los neófitos. Dicho eso, formas circulares trae los cinco canales de YouTube, críticos de cine y TV, que debes ver y seguir.

5. Frikidoctor

El nombre de este canal de YouTube está ligado a la serie televisiva Juego de tronos. Es reconocido como uno de los mejores entendidos en el complejo entramado mitológico de la serie. En su canal, es usual encontrar sesiones en vivo donde resuelven dudas sobre el futuro de los personajes, posibles teorías conspiratorias que ponen en peligro a alguno de los protagonistas, e incluso, establecer algunas propias.

Una de las fortalezas de este canal es, casi siempre, poseer información precisa sobre la línea argumental, locaciones de rodajes y diseño de arte de las series y películas próximas a estrenarse. Pueden ser tan acertado en sus predicciones que, en mayo del 2016, la cadena estadounidense HBO entabló un pleito con Youtube por causa de algunos contenidos de su canal.

HBO argumentó que, José Señarís Romaís de nacimiento (Frikidoctor), violentaba los derechos de autor al dar a conocer mucho del argumento de cada capítulo, antes de que éstos se estrenaran en las plataformas oficiales.

https://www.youtube.com/channel/UCmQkOxn7_tEkvOwTxBJRKUQ

4. Jag Durán

Reconocido por sus videos explicativos sobre la mitología de Juego de tronos. Usualmente contrasta el abordaje de la línea argumental presente en la serie, con el desarrollado en los libros que la inspiran. Durán, alterna sus sesiones de análisis de las series del momento, con videos sobre datos poco conocidos de grandes filmes.

Aborda en sus análisis todo tipo de género, basando sus observaciones en tres pilares: actores que rechazaron participaciones en películas que fueron un éxito, datos curiosos sobre grandes producciones, errores en la línea argumental.

Si eres fanático de los cómics, este canal será de tu agrado, pues Jag Durán es de los mejores comparando adaptaciones cinematográficas, como Avengers, con la línea narrativa de los cómics.

https://www.youtube.com/results?search_query=jag+duran

3. Caja de películas

A diferencia de los dos primeros, este canal no se casa con el análisis exhaustivo de una serie. Héctor Portillo, generador de contenido para el canal, podría considerarse como el analista de la cartelera. Caja de películas es de los primeros canales en subir críticas de los grandes estrenos del cine hollywoodense, y una que otra película independiente.

Las críticas a los filmes son muy completas. No se queda en la valoración de las actuaciones, pasa por el diseño de arte, construcción del guion, fidelidad de los personajes (si es que éstos están basados en alguna novela gráfica o cómic) y en la coherencia del desarrollo del argumento. Si se tiene la duda sobre gastar dinero y tiempo en un estreno, caja de películas es el canal que debes ver.

Este canal alterna las críticas de cine y TV, con unboxing de objetos coleccionables del mundo de los cómics.

https://www.youtube.com/results?search_query=caja+de+pel%C3%ADculas+

2. Pelicomic

Este canal se concentra en el complicado y divertido mundo de los cómics y sus distintas adaptaciones en la gran pantalla. Cuenta con un número importante de videos en los que se analizan las más recientes creaciones de Marvel Studios, explicando el enmarañado universo de Marvel Cómics para aquellos que son seguidores de las películas, pero desconocen la historia que se narra en los cómics que las inspiraron.

El guion de los videos, aunque sigue siempre la misma estructura, es entretenido. El presentador llama a sus espectadores los McFly, la familia de Martin McFly, protagonista de la trilogía Volver al futuro. El guion intercala pequeños diálogos de las películas Volver al futuro, con el desarrollo del filme a analizar, lo que pone la cuota de humor necesaria, pues algunos de los videos pueden llegar a ser tan complejos como el universo en el que se adentran.

https://www.youtube.com/channel/UCsMzBY3X_RS6GhGBiHXW19A

1. Fuera de Foco

Gabi Meza es la presentadora y guionista de este canal de YouTube. Hace crítica a los estrenos en cartelera, así como algunos filmes del cine independiente. Mientras relata las líneas generales del largometraje, va valorando los aciertos y desaciertos, cuidando no exponer más de la información necesaria, y así dar la posibilidad, a quienes llegan primero a sus videos y luego a los teatros, de disfrutar el suspenso de la trama.

Este canal trabaja con todos los géneros del cine. En él encontrarás videos dedicados al mundo de los super héroes, al drama, la comedia, etc. Fuera de Foco llega hasta el número uno, pues, además de hacer críticas con calidad, da la posibilidad de escuchar a los actores, guionistas y directores de las grandes producciones de Hollywood en entrevistas exclusivas, en donde la presentadora hace las preguntas más recurrentes entre su comunidad de seguidores.


https://www.youtube.com/user/FueraDeFocoFRP

Tres comentarios para entender Roma, la película mexicana de la que todo el mundo está hablando

Más interesante que tratar de reconstruir la historia a partir de un hecho estético, como el cine, es ver cómo la nostalgia personal del Cuarón de aquellos años logra manifestarse a través de los detalles de la película.

La semana pasada, Netflix estrenó Roma, película del cineasta mexicano Alfonso Cuarón. Esta semana, la cinta fue seleccionada preliminarmente para participar como mejor película extranjera en la ceremonia del próximo año de los Oscar. Allí pelea con otras nueve cintas entre las que se encuentra Pájaros de verano de los colombianos, Ciro Guerra y Cristina Gallego.

Muchos han sido los comentarios alrededor de la película. Los mexicanos la han recibido con cierto alborozo en un momento en que muchos están llenos de esperanza por la reciente llegada a la presidencia de López Obrador. Para otros, la película es una excusa para viajar en el tiempo y encontrarse con la Ciudad de México de los años setenta.

En el resto del mundo, las preguntas giran alrededor de la futura relación de Netflix con las distribuidoras de todo el mundo, toda vez que Roma es la primera gran apuesta del gigante norteamericano con un director consentido por la Academia. Roma fue presentada primero en festivales —en Venecia se llevó el León de Oro— y después estuvo pocas semanas en salas de España y México, antes de llegar a Netflix.

En Formas Circulares te presentamos tres comentarios que te permitirán apreciar con más detalle Roma, la película de la que todo el mundo está hablando y que, sin duda, es la favorita en la próxima temporada de premios.

Roma es amor de mujer

En Roma¸ las protagonistas son las mujeres. Mujeres abandonadas por hombres, mujeres madres que sostienen el hogar, mujeres con tesón y fortaleza de espíritu. Mientras la imagen de los hombres se extravía entre veleidades, pasiones y la guerra, la mujer permanece siempre.

Las mujeres son el soporte de una casa con cuatro niños que sufren la ausencia velada del padre. La colonia Roma, la ciudad de México, América Latina entera fueron durante la década del setenta —aún hoy lo siguen siendo— territorio de hombres. Los hombres organizaban el universo y eran figuras tutelares en el hogar. Gobernaban con o sin el ejemplo. Pero ante la ausencia de ellos, surge la mujer tal que siempre está pensando en su hogar, como dijo Sábato.

El filme de Cuarón se desarrolla entre 1970 y 1971, en la ciudad de México. Tanto entonces como ahora, la figura paterna era de carácter y orden. A la mujer le quedaba asignada la función del amor por sus hijos. Y si bien todas las mujeres de la película aparecen derrotadas ante los hombres, la cohesión entre ellas y el amor las termina salvando.

La colonia Roma de 1970 es un espacio donde las clases sociales se rozan, pero no se traslapan, se juntan, pero no se mezclan. Todo esto es cierto hasta que el amor y la solidaridad de las mujeres se impone: Cleo y su patrona, Sofía, nos muestran en la escena de la playa como, a pesar de la profunda estratificación social y étnica de México, el amor y la solidaridad son sentimientos más profundos que cualquier configuración social.

Los mejores recuerdos son a blanco y negro

Roma es una película sobre la nostalgia. Está filmada a blanco y negro porque nuestros recuerdos más preciados siempre los almacenamos en dos tonalidades. El blanco y el negro, con sus matices, nos aseguran la profundidad de las cosas, los gestos de las gentes y la delicadeza de los sentimientos. Cuarón quiso ahondar en sus recuerdos de infancia y ofrecernos una película íntima.

Sin embargo, como los buenos novelistas, no se puso él en el centro de la historia, quizá porque lo importante no era su yo del pasado, sino el del presente. Es decir, la forma en que las personas, los lugares y la historia de México fueron configurando su visión como director de cine. Por eso, no era relevante contar la historia de un chico de la clase media alta de la colonia Roma, sino mostrar los detalles más reveladores de una época de convulsiones y revoluciones en México y América Latina. Es así como toda la historia de Roma se cuenta a través de Cleo, la mujer mixteca que trabaja como empleada del servicio en una casa de clase media alta de la colonia Roma.

Más allá de los lugares de la ciudad de México y de las referencias historiográficas, no sabemos qué tanto de lo que cuenta Cuarón queda en el plano de la ficción y qué tanto en el de la realidad. No sabemos tampoco hasta qué punto esa relación de calidez e igualdad entre la señora Sofía y Cleo es producto de pasar por el cedazo de la nostalgia una infancia que, con o sin la presencia del padre, pareció ser apacible.

Más interesante que tratar de reconstruir la historia a partir de un hecho estético, como el cine, es ver cómo la nostalgia personal del Cuarón de aquellos años logra manifestarse a través de los detalles de la película.

Para Cuarón, lo importante fue construir su versión de la ciudad de México en la que creció, que no es necesariamente la Ciudad de México de 1970. Para ello, recurre a los planos abiertos de algunos sitios del DF como el Teatro Metropolitan o el Centro Médico Siglo XXI. Pero también están los terremotos que históricamente se han dado en la ciudad de México y las protestas estudiantiles del año 1971 que produjo la Matanza del Jueves del Corpus a manos del grupo paramilitar Los Halcones.

Las señales

Aunque parezca una historia plana y desabrida, Roma se constituye en una pieza hermosa a partir de los detalles. Por eso, el espectador debe estar pendiente de cómo, detrás de cada acción, hay un símbolo que apunta a la construcción global de sentido de la cinta. En Roma, no hay ningún cabo suelto sino muchos índices desperdigados. Juntarlos todos y entenderlos en el contexto de la cinta es labor del espectador.

Aunque es una película profundamente mexicana y los mexicanos se han sentido retratados con cada plano, su comprensión es posible gracias a las realidades compartidas de los latinoamericanos. Así, la estratificación, la discriminación étnica, el paramilitarismo y las protestas estudiantiles son realidades que los latinoamericanos vivieron a lo largo de la segunda mitad del siglo XX.

Hay, por ejemplo, una correspondencia entre la imagen que queda viendo Cleo en el hospital durante el terremoto y lo que termina ocurriendo con ella el día de la Matanza del Jueves del Corpus. Lo uno es anticipo de lo otro. Los dos sucesos históricos —el terremoto y El Halconazo— se cruzan en la vida personal de Cleo para definir su destino.

En la cinta, están las salas de teatro que son definitivas para los personajes de la historia, pero también para Alfonso Cuarón. En el teatro de su infancia, Cuarón vio por primera vez las imágenes de Gravity, la cinta con la que ganaría un Oscar como mejor director. También son detalles interesantes los aviones que sobrevuelan contantemente la Ciudad de México, el contraste entre la vida en la colonia Roma —el centro— y el barrio en que vive Fermín —la periferia—, y el plano en que, en medio del entrenamiento militar a Los Halcones, Cleo es la única que puede hacer la posición del Profesor Zovek.

Cinco películas que debes ver en 2019

El año próximo podría ser el punto de referencia para indicar la fecha en que las plataformas de streaming comenzaron a ganar un espacio que, hasta el momento, era exclusivo de los teatros.
Fotografía tomada de metroecuador.com.ec

Quizá 2019 sea uno de los más cargados de emociones, cambios y peculiaridades en la historia de la gran pantalla. El año próximo podría ser el punto de referencia para indicar la fecha en que las plataformas de streaming comenzaron a ganar un espacio que, hasta el momento, era exclusivo de los teatros.

En 2019, el público sabrá si se pudo hacer realidad el rescate de uno de los clásicos del cine, o si por el contrario, no pudo hacer honores a su pasado. También, los cinéfilos verán la segunda entrega de una película de terror que dejó intrigado al público. Por todo ello, Formas circulares recomienda las cinco películas que no puedes perderte en 2019.

5. The Irishman

Fotografía tomada de nationalcrimesyndicate.com

Película dirigida por Martin Scorsese. El guion está basado en el libro I heard you paint houses de Charles Brandt. En este filme Scorsese retoma el género gánster, al llevar a la gran pantalla la historia del asesinato del reconocido líder sindical James Riddle, mejor conocido como «Jimmy» Hoffa.

El guion del largometraje fue escrito por Steven Zaillian, recordado por su trabajo en La lista de Schindler. Contará con la participación de Robert De Niro, Al Pacino y Harvey Keitel.

Luego de una tortuosa fase de negociación, en la que los derechos de distribución pasaron de una mano a otra, la Paramount Pictures se quedó con los derechos de distribución de la película para Estados Unidos, mientras que STX Entertainment logró hacerse con los derechos internacionales.

Sin embargo, a principios del 2018 se conocía que Paramount abandonaba el proyecto por su alto costo, dejando la producción herida de muerte. En este punto, inicia la mayor peculiaridad de este próximo estreno.

Netflix entra a salvar el proyecto al comprar todos los derechos de distribución del filme, que hasta el momento tiene invertidos ciento setenta y cinco millones de dólares. The Irishman será una de las primeras grandes producciones en ser estrenada directamente en una plataforma de streaming, y también pudiera ser la primera gran producción hollywoodense en no competir por los Oscar, pues se verá solo en algunas salas de cine en el mundo.

4. Glass

Fotografía tomada de findelahistoria.com

Película escrita, producida y dirigida por M. Night Shyamalan, reconocido por su trabajo en Sexto sentido, filme de 1999. En este proyecto, Shyamalan crea un guion en el que convergen dos de sus trabajos anteriores: El protegido, película del año 2000, y Fragmentado, del año 2016.

Glass le da vida a dos de los personajes de El protegido: al guardia de seguridad David Dunn (Bruce Willis), un hombre con fuerza sobrehumana que no puede ser herido, y Elijah Price (Samuel L. Jackson), el villano que busca a humanos con habilidades especiales, aún si debe realizar actos terroristas para identificarlos.

En 2016, Shyamalan, con una historia simple y una gran actuación de James McAvoy, volvió a los éxitos taquilleros y los aplausos de la crítica especializada con Fragmentado. El filme contaba la historia de Kevin, un hombre con desorden de personalidad disociativa, en cuyo cuerpo conviven 23 personalidades. Cuando una personalidad toma el mando de su cuerpo, este tiene alteraciones en el habla, el desarrollo muscular, la forma de caminar, etc.

La personalidad número 23 es La Bestia, un tipo de personalidad animalesca que le da fuerza sobrehumana, cuerpo indestructible, etc. En Glass se verá cómo Elijah Price tiene mucho qué ver con este villano, al parecer creado para destruir a David Dunn.

3. It: chapter 2

Fotografía tomada de flickreel.com

Dirigida por Andrés Muschietti, It: chapter 2 da un gran salto en el tiempo. Los niños que lucharon contra It en la primera entrega, ahora son unos jóvenes que presencian una nueva oleada de desapariciones de niños. Ante este hecho, los jóvenes deberán decidir entre actuar, y destruir a It de forma definitiva o continuar con su vida adulta, indiferente a las desapariciones, como las generaciones anteriores del pueblo.

En esta segunda entrega, el guion se adentrará en la explicación del origen de It, y su larga estancia en la tierra.

Este filme genera expectativa, pues la versión de 2017 fue duramente criticada por lo superficial del guion, la poca personalidad dada al payaso asesino, y por haber preferido el terror explícito a la construcción de escenas realmente tensas y el uso de diversos elementos narrativos.

Al hablar de este próximo estreno, no se puede dejar de mencionar la actuación de Bill Skarsgård, quien dio vida a Pennywise en la primera entrega y logró una interpretación alejada del trabajo de Tim Curry, en la serie del año 1990. S

2. Star Wars: Episode IX

Fotografía tomada de integratemedia.es

Dirigida por J.J. Abrams, Star Wars: Episode IX busca consolidar la rectificación de su camino. Luego de un flojo inicio con El despertar de la fuerza, la nueva trilogía quedó entre dicho por la evidente falta de cohesión entre su primera entrega y Los últimos Jedi. Tal parece que tener guionistas para cada entrega, ha dejado como saldo la falta de continuidad lógica en sus argumentos.

Con El último jedi, vuelve la épica, los héroes, la constante sensación de derrota para la Fuerza. Un guion mejor estructurado que se centra en lo que ha hecho grande a Star Wars: la persistente duda en sus protagonistas en darse al servicio de la fuerza o entregarse al lado oscuro.

Todo parece indicar que el guion del Episodio IX seguirá por la misma senda de El último Jedi, cerrando con un final épico las aventuras de Luke Skywalker.

1. Once upon a time in Hollywood

Fotografía tomada de enelrollo.com

Es la novena película de Quentin Tarantino. Pensada para ser estrenada en julio del 2019, Once upon a time in Hollywood, narra uno de los asesinatos de la familia Manson: el de la actriz Sharon Tate, interpretada por Margot Robbie, quien fue asesinada a puñaladas estando embarazada.

Protagonizada por Brad Pitt y Leonardo DiCaprio, el guion se adentra en la historia de Rick Dalton (Leonardo Di Caprio), un actor de televisión que quiere entrar en el mundo del cine, que junto a su doble de riesgo (Brad Pit), intentan impulsar su carrera utilizando la amistad entre Rick y Sharon Tate.

Conocedores del estilo de narración de Tarantino, Once Upon a Time In Hollywood es un filme prometedor. En palabras del director, «es uno de los últimos filmes que rodaré», lo que hace de este estreno uno de los más esperados para el 2019.

Cinco videojuegos que vale la pena jugar sólo por sus historias


Para los nuevos jugadores puede ser que una buena historia justifique un mal juego.

Cada vez más, los videojuegos se están abriendo camino para ubicarse justo al lado de la industria cinematográfica con el principal objetivo de contar buenas historias. Tanto es así que actores famosos están prestando su imagen para protagonizar videojuegos. Así que no se nos haga extraño si algún día vemos versiones más jóvenes de actores veteranos con algún papel estelar en lo que se conoce como el décimo arte.
Las consolas son cada vez más poderosas y los desarrolladores están creando juegos cada vez más realistas, esto exige el cambio drástico de contar buenas historias, más que entretener con juegos de rol, estrategias y combates. Para los nuevos jugadores puede ser que una buena historia justifique un mal juego . Es por esto que en Formas Circulares te recomendamos cinco videojuegos que vale la pena jugar sólo por sus historias.

5. Dante’s Inferno (PS3, X-box 360 y PSP)


Un Hack and slash que a pesar de su jugabilidad y mecánicas sospechosamente muy similares a las de la saga God of War, supo ganarse su propio nombre gracias a su interesante historia: una adaptación del clásico poema de Dante Alighieri. En el juego controlarás al mismo Dante, visto como un soldado cruzado que, en compañía del poeta Virgilio, debe recorrer los siete círculos del infierno, enfrentando la encarnación de sus propios pecados para rescatar el alma de su amada Beatriz a manos de Lucifer. Al igual que en el libro Dante irá reconociendo personajes históricos que contarán la historia de sus condenas, el jugador debe decidir si expiarlas o condenarlas.
Realmente es una ilustración interactiva de la epopeya de Dante.

4. Ther Order: 1886 (Play Station 4)

Por su jugabilidad, este shooter en tercera persona es un claro ejemplo de que una una buena historia debe justificar mal juego. Y no es que sea de verdad un mal juego, pero por sus excesos de escenas cinemáticas que interrumpen su dinamismo hacen que no sea un juego rejugable. Sin embargo, no sólo su historia sino sus detallados gráficos, hacen que este juego sea cautivador.

En una ucrónica Londres de la época victoriana, La Orden de los Caballeros de La Mesa Redonda aún existe para enfrentar las amenazas que rodean el reino y la ciudad, pero cuando Sir Galahad comienza a sospechar que algo anda mal dentro de la organización, buscará la ayuda del joven Nikola Tesla para llegar al fondo de lo que está sucediendo.

Este fue el primer juego que puso a prueba el poder de Play Station 4 reproduciendo fielmente la Londres de finales del siglo XIX con tintes de steampunk.

3. Heavy Rain (PS3 y PS4)

Definitivamente no se puede decir de qué va Heavy Rain. Sus desarrolladores la catalogaron como una película interactiva y eso es realmente lo que es. La gracia de este juego es llevar el curso de la historia hacia el final que el jugador prefiera, es por eso que cada movimiento, cada palabra emitida por sus personajes, cada decisión bien o mal tomada, cada tiempo perdido o aprovechado, llevará la historia por un rumbo diferente por cada vez que se quiera jugar este juego.

Un asesino de niños en serie, un oficial del FBI, un detective privado, una periodista inquieta y un padre que perdió a su hijo a manos del asesino del origami, como es conocido, serán controlados física y emocionalmente por el jugador.

2. God of War (PS4)

Justo cuando creímos que las aventuras de Kratos, el semidios griego, habían acabado con su muerte en God of War III (sin tener en cuenta su posterior precuela) Santa Mónica Studios lanza esta nueva Versión para PS4 ambientada esta vez en la mitología escandinava. Kratos, ya más maduro, con un hijo y su ira apagada, sólo quiere vivir tranquilo exiliado en tierras nórdicas, pero para un asesino de dioses nunca habrá tranquilidad cuando Baldur, el dios hijo de Odín lo busca para enfrentarlo. Descubre las historias de los dioses y personajes nórdicos en esta épica reinvención de la historia Kratos.
Ganador al juego del año en este 2018, esta nueva versión cambió sus mecánicas de juego, pero no su esencia.

The Last Of Us (PS3 y PS4)

También ganador al juego del año en 2011, y con una popular remasterización para PS4, este juego supo combinar muy bien shooter en primera persona, survival horror y sigilo en una historia digna de una novela o película de ciencia ficción posapocalíptica.

Luego de veinte años de una infección mundial producida por el hongo Cordyceps en los humanos, Joel, el personaje principal, tiene que atravesar todo Estados Unidos para custodiar a una niña que podría representar la última esperanza de la humanidad a un lugar seguro, sin contar que las situaciones adversas que les esperan serían el desencadenante de una relación fraternal que enfrentará a infectados y hostiles, y que pondrá en riesgo el futuro de una cura.

Su desarrollador Naugty Dog está preparando su secuela y no tenemos dudas de que será aún más emocionante.

¿Te gustó este listado? Dinos cuál videojuego agregarías o recomiéndanos tu propia lista en los comentarios. 

El porno triste de Amaranta Hank

Amaranta Hank roba aplausos y vítores entre periodistas y lectores. Cada palabra suya, cada declaración, cada gesto se roban titulares y clics. Sin embargo, el porno de Amaranta es triste, profundamente triste.

Reality porno

Por exclusivo interés investigativo —todo hay que aclararlo—, entro a una página de pornografía a ver varios videos de Amaranta Hank. Supe de Amaranta hace más de un año, cuando apenas era reconocida por los lectores de una famosa revista colombiana. Entonces, había dejado atrás su carrera de periodista y editora para convertirse en actriz porno. Volví a saber de ella cuando, en medio del furor de Twitter, declinó grabar un video porno con Yeimis Echeverry.

Resumo la historia porque, si bien muchos la conocen, es importante para lo que voy a escribir más adelante: Amaranta le puso a Yeimis —conspicuo habitante del Twitter colombiano— el reto de lograr diez mil RTs para hacer una película porno con ella. Lo particular del asunto es que Yeimis mide 1.31 metros y sufre de osteogénesis imperfecta, lo que le impide mover la pelvis con soltura. Toda una rareza.

Yeimis logró más de once mil RTs y entonces vino el silencio de Amaranta. Días después, apareció con una carta en la que explicaba, con argumentos sólidos, por qué finalmente el video nunca se filmaría. La carta empieza en estos términos: “En las primeras entrevistas que di al entrar a la industria para adultos, dejé muy claro que estaba interesada en nuevas formas de pornografía que ofrecieran una imagen más real de la realidad”.

En el comunicado, se lee, en dos ocasiones, la palabra posporno. El posporno es una manifestación feminista que reacciona a la pornografía tradicional, ampliamente pensada para el disfrute sexual del hombre y, por tanto, cosificadora de la imagen de la mujer. Mencionaba también que siempre le había llamado la atención el sexo con personas con movilidad reducida —como Yeimis—, y por eso, aunque en su momento no lo consideraba, ya había adelantado los contactos con el interesado para grabar una película de este tipo. En un instante determinado de la carta se lee: «Pero un tuit desacertado de Yeimis me ha hecho cambiar de opinión».

Yeimis Echeverry

Hardcore fallido

La razón del arrepentimiento de Amaranta Hank estaba en un tuit lejano en el que Yeimis afirmaba lo siguiente: «Vivimos en un mundo que les pide a los hombres no culearse a las mujeres y botarlas en vez de enseñar a ellas a no dejarse culear tan fácil». El argumento central de Amaranta —ya lo pueden intuir— era que «la posición de “no dejarse culear tan fácil” es arcaica además de claramente errada». Así, ante la atractiva idea de grabar porno con una persona con movilidad reducida, se imponía su mirada feminista de la pornografía, el posporno. Yeimis fue desechado por machista y torpe. Jamás por pigmeo.

El escueto mensaje de Amaranta Hank venía a afianzar la idea central de un texto de su autoría publicado en la revista SoHo. En ese artículo, la actriz narra las incidencias de su debut en el mundo del entretenimiento para adultos. Amaranta Hank es actriz porno porque quiso ser actriz porno. Dejó atrás su carrera como periodista y editora para, desde la pornografía, aplicar el viejo principio del templo de Delfos: «Conócete a ti mismo». «Quería sentirme sexy, retar mi experiencia sexual al compararla con la de las expertas y vivir una vez más mi sexualidad libre», escribió en su momento. Después de esto, empezó su carrera de pornstar criolla.

De amateur a pornstar criolla

Llevado por la curiosidad de que una figura pública —a quien, sin embargo, yo no conocía— se introdujera en el mundo del porno, me senté a ver su primer video. El hecho de que fuese una figura relativamente conocida hizo que Amaranta Hank gozara de un aparato de propaganda del que carecen la mayoría de las personas que se deciden hacer porno. Por tanto, llevados por la prensa, miles de personas como yo vieron el debut en solitario de Amaranta Hank, vestida de monja.

Hot Girls Wanted es un documental de Netflix que cuestiona el mundo del porno desde la vida de varias chicas que deciden probar suerte en la industria del porno amateur. La historia que cuenta el documental dura apenas unos meses. En todo ese tiempo, las jovencitas graban centenares de películas que, sin embargo, no les representan mayor dinero. Al final del documental, varias de las chicas regresan a sus casas sin fama y sin un centavo. Los sueños frustrados.

Digamos que Amaranta es una privilegiada, pues tuvo el camino expedito. No sufrió lo que una chica cualquiera puede sufrir en su carrera hacia el estrellato. No tuvo la etapa anónima por la que pasaron actrices colombianas con más años en la industria como Franchesca Jaimes o Jasmine Gómez. Por el contrario, su estrategia de marketing fue muy clara: aprovechó la ventana de difusión de los medios colombianos que hacen eco de cualquier barullo o rareza, y mostró una cara de mujer emancipada, libre y empoderada de su sexualidad para crear un personaje.

Alejandra Omaña no fue más Alejandra Omaña: ahora era Amaranta Hank, la actriz porno más insulsa de toda la comarca.

POV sobre Amaranta

La afirmación anterior, lo acepto, es impopular. Amaranta Hank roba aplausos y vítores entre periodistas y lectores. Cada palabra suya, cada declaración, cada gesto se roban titulares y clics. Y aunque tiene sus haters, la bulla de estos se queda en el comentario misógino y conservadurista. No hay, entonces, un solo artículo sobre ella en que se valore su carrera o se analicen sus videos, es decir, en que se haga una crítica no sobre su personalidad, sino sobre sus películas. Cuando de Amaranta Hank se trata, todo se ve desde la valentía de la acción primera: «Oh, miren esa periodista que ahora es una super estrella del porno colombiano».

Trataré a continuación de sustentar —a partir de sus películas— por qué el porno de Amaranta Hank es un bodrio más de la industria. Otro ladrillo en un muro sempiterno.

Acepto que no he visto todos sus videos. Su producción, de menos de dos años, es ya numerosa. Sin embargo, con el porno sucede lo mismo que con los vinos y la encuestas: una pequeña cata nos permite saber el sabor del resto del barril, una pequeña muestra nos permite ver qué piensa el universo. He visto detenidamente algunos videos de Amaranta Hank, he analizado los detalles, he reflexionado sobre ella misma. Y al final me queda la imagen de que el porno de Amaranta es fake, de mentiritas. Y triste, profundamente triste.

El primer video de Amaranta, como ella lo admite, es un clisé de la industria: una solitaria monja se masturba ante un altar de Cristo. ¡Vaya novedad! Esta secuencia, de tanto repetirse, ha dejado de ser iconoclasta. Pero también los clisés se pueden retomar y, con ellos, plantear rupturas. De esto sí que sabe el ya clásico director, Mario Salieri.

Ese primer video porno de Amaranta Hank cumplió dos funciones. La primera, que ya he mencionado, fue la de promoción. Los gemidos de Amaranta se irradiaron por todas las redes sociales y la pusieron, de un tirón, en la cima del world porn. La segunda, y es la base de mi trabajo, fue condenarla a ser una actriz porno de lugares comunes.

¿Dominatrix?

Un invernadero. Unas matas de mariguana. Una mujer con una camiseta de Kill Bill se fuma un porro. Lo succiona lentamente. El humo de disgrega en el aire. La mujer bota el porro. Ahora, con un pequeño rociador, les echa agua a las plantas de mariguana. Aparece un hombre calvo. Aborda a la mujer por la espalda. Voz de engalochada. El porro es reemplazado por la verga. Felación. La mujer es penetrada por la espalda. Gritos de mentirita. Otra mamada. Sentadones sobre la verga. Gritos. Gritos. Gritos. Una paja rusa. Final feliz en las tetas.

Título de la historia: Dosis mínima de porno.

Así son todas las historias de Amaranta Hank. Aburridísimas. Todos los lugares comunes de la pornografía tradicional confluyen en ellas. ¡Y vamos que la industria está llena de lugares comunes! La ruptura y el empoderamiento con los que argumentó su entrada al mundillo del porno han sido reemplazados por la ramplonería, la insulsez y la rutina. En el comunicado del Caso Yeimis, Amaranta afirmó: «Yo decido quien accede a mi cuerpo y eso no va a cambiar». Y lo cierto es que Amaranta Hank ha decido por ella misma, pero lo ha hecho contrariando sus palabras.

Toda su pornografía es una pila enorme de lugares comunes: sexo con un actor porno amateur, sexo lésbico sin retoques ni creatividad, anales después de la estimulación con un dildo. Y para terminar buscó al mainstream de los mainstream: Nacho Vidal. Y también con él hizo una película.

Y entre todo ese montón de imágenes manidas, no aparecen por ningún lado las «nuevas formas de pornografía» ni la «imagen más real» del porno ni el «posporno». En la filmografía —palabra muy agraciada para referirse a esa colección de láminas repetidas— de Amaranta Hank, el hombre manda e impone condiciones, el hombre mantiene su condición de privilegiado, el macho, con su verga, domina. El porno de Amaranta Hank está pensado para hombres. Sí. Para hombres que consumen porno barato.

Se me podrá acusar de querer reclamar contenido y profundidad en algo que solo sirve para entretener. Yo solo diré que quien pretendió buscar trascendentalidad detrás de un polvo frente a la cámara fue Amaranta Hank. Fue ella quien habló de empoderamiento del cuerpo femenino. Fue ella quien rescató de los recovecos de la teoría feminista el término posporno.

Amaranta interracial

En esa búsqueda de los lugares comunes de la pornografía, Amaranta ha terminado transformándose a sí misma. ¿Cuál es el prototipo de actriz porno que más se consume en la web? ¡Exacto! Los caballeros las prefieren rubias. Por eso, la pelinegra de las primeras películas se ha convertido en una rubia de extensiones larguísimas para tratar de acercarse a un ideal de actriz porno que predomina en la industria.

Si algo se rescata de su primer video porno es que entonces Amaranta Hank tenía aún la belleza primigenia de Alejandra Omaña. Era un pelinegra preciosa de ojos grandes y labios atractivos. Ahora, el cabello es rubio, rubísimo. Y sus labios —parece— se han saturado de botox. A la naturalidad primera, le ha seguido el fingimiento tenaz que conlleva introducirse en una industria en la que, a pesar del realismo, todo es mentira. Su personaje —como en la literatura de folletín— no tiene un rasgo propio. Sus atributos son un préstamo de las actrices porno de la tradición gringa.

Cuando digo esto, pienso que otra vez todo es una argucia de la actriz o una exigencia de la productora para la que trabaja. Amaranta Hank grabó su primer video porno por puro gusto y por exploración personal. «Solamente las ganas de hacerlo ya lo justificaban» escribió para SoHo. Parece que a ese impulso interior le han seguido la necesidad y la supervivencia. Al ser un porno de industria y al ser una actriz porno vinculada a una productora, sus películas buscan generar ganancias. La marca Amaranta Hank es un negocio rentable. Y cuando los negocios son rentables, no hay espacio para la creatividad ni la transformación. El posporno ha muerto sin siquiera haber nacido.

Vuelvo al Caso Yeimis. En el comunicado, la actriz termina con estas palabras: «La sexualidad de personas con movilidad reducida me seguirá inquietando, así como lo ha hecho por muchos años. Grabaré cuando las personas y las circunstancias sean las indicadas». No lo creo. El porno de Amaranta Hank es ahora un porno triste y sin riesgos. Y sirve para lo que sirve el porno mainstream: para echarse un pajazo en una solitaria tarde de martes.

La filmación de La langosta azul y el papel de García Márquez en el cortometraje de Álvaro Cepeda Samudio

Cuando García Márquez afirma que «algo puse yo que hoy no recuerdo», permite entrever que su participación fue poco significativa para la consecución final del corto.

Sobre la fecha exacta en que fue filmada La langosta azul no hay certeza. Daniel Samper Pizano recoge las palabras de Tita de Cepeda —viuda de Álvaro Cepeda Samudio— y afirma que pudo haber sido a finales de 1954 o comienzos de 1955. En ese mismo sentido, habla Jacques Gilard en su trabajo compilatorio sobre las notas periodísticas de Gabo en Bogotá. La misma Tita, sin embargo, en un artículo publicado el año anterior en El Heraldo afirma que era el año de 1954 «cuando Álvaro se plantó frente a la cámara Bolex de 16 mm».

Sobre la participación directa de Gabriel García Márquez en la filmación de la película todo parece más claro. Por la fecha en que los amigos del Grupo de Barranquilla estaban en La Playa filmando La langosta azul, Gabo estaba en la edición de El Espectador escribiendo de manera anónima la sección Día a día y las notas sobre El cine en Bogotá. Que haya aparecido en los créditos de la película lo considera Gilard como un «efecto de esa amistad que fue el cemento más sólido en la cohesión del Grupo de Barranquilla» y que meses atrás había tenido una manifestación precedente.

Cepeda había publicado el libro de cuentos Todos estábamos a la espera, y García Márquez lo catalogó en una columna dominical de El Espectador como «el mejor libro de cuentos que se ha publicado en Colombia». El mismo Gabo reconoció que no participó en la grabación de La langosta azul porque «me encontraba en medio de alguno de aquellos reportajes prolijos que no me dejaban tiempo para respirar».

Con las cosas no tan claras sobre la fecha puntual de la filmación, es lícito pensar que, en un diciembre de 1954, Álvaro Cepeda Samudio, Luis Vicens, Enrique Grau, Cecilia Porras, Nereo López y Guillo Salvat caminaban por las enlodadas calles de La Playa pensando cada toma, cada plano, cada entrada, para no malgastar las pocas herramientas tecnológicas con que contaban.

Los que no conocen mucho sobre el tema, le dan un papel importante a García Márquez en la creación del cortometraje. Los que han investigado al respecto saben que La langosta azul es producto de la mente festiva, caótica y prestidigitadora de Cepeda. Cuando García Márquez dijo que «el papá por derecho propio fue Luis Vicens», lo hizo quizá pensando en la paternidad asumida por el sabio catalán dentro del Grupo de Barranquilla y en su leve experiencia sobre la técnica cinematográfica.

Luis Vicens era el único que por la época había tenido contacto con la creación cinematográfica. En París, había colaborado con L’écran francais, publicación dirigida por Georges Sadoul. Y en Colombia había sido el creador del Cine Club Colombia en Bogotá y posteriormente había replicado esta misma idea en Medellín y Barranquilla.

Así también, cuando García Márquez afirma que «algo puse yo que hoy no recuerdo», permite entrever que su participación fue poco significativa para la consecución final del corto. Si en algo ayudaron los demás miembros del grupo, fue quizá en la parte técnica. Pero lo que dice el corto —si es que intenta decir algo—, la trama, los parajes y los personajes estuvieron siempre en la mente de Álvaro Cepeda. Constituyeron siempre la base de su estética literaria y cinematográfica.

Solo cuando uno se hace una idea de quién era Álvaro Cepeda puede entender el sentido de La langosta azul. El Cepeda de 1954 era un muchacho de 28 años que meses atrás había publicado, casi obligado por Germán Vargas y Alfonso Fuenmayor, la colección de nueve cuentos titulada Todos estábamos a la espera. García Márquez lo describió por la época como un hombre con «cierto aire de chofer de camión y al mismo tiempo de contrabandista de sueños».

La imagen que nos legaría Cepeda sería la misma siempre: la explosión de la voz, el cuerpo cincelado, el cabello profuso, el tabaco en la boca, las sandalias a donde fuere, el estilo desestilizado. El periodista Ramiro de la Espriella lo definió como un «ser irreal que quería engañar su propio pavor, y que a veces a fuerza de tanto gritar parecía totalmente callado». Con esta imagen, no es raro que, en algún momento, un teniente recién llegado al Caribe le confundiese con el Che Guevara.

Periódicos, libros, y películas. Muchas películas. El cine recorrió la vida, los pensamientos y la obra escrita de Álvaro Cepeda. El pueblo de La langosta azul ya lo había pintado antes en algunas crónicas y notas periodísticas, y lo continuó pintando después en Los cuentos de Juana y La casa grande. El salitre mezclado con el fango, los niños jugando en la playa, las casas de madera: todo estuvo siempre en la mente de Álvaro desde sus primeros años en Ciénaga. El cine, decía, «era el arte moderno por excelencia, el arte más importante y adecuado de este tiempo».

Antes de La langosta azul, la incipiente industria cinematográfica nacional había filmado, durante la década del veinte, algunas películas con argumentos de corte romántico y costumbrista. En los cuarenta y cincuenta, con una industria en ruinas, predominaron los documentales con tintes históricos, políticos y profundamente nacionalistas. Álvaro y sus amigos se superpusieron a todo ello y propusieron una estética cinematográfica que trascendía cualquier deseo de evidenciar un nacionalismo insuflado o un costumbrismo inane.

La langosta azul tiene menos que ver con el surrealismo de Buñuel y más con el espíritu del hombre Caribe —cualquier cosa que ello sea—. Si el cortometraje utiliza los planos abiertos de las playas y calles del pueblo, lo hace para privilegiar la estética visual del Caribe antes que para mostrar el ambiente provinciano de la época. La Langosta azul se abstrajo de abordar la política nacional y denunciar la dictadura de Rojas Pinilla, y abordó la preocupación mundial por la guerra atómica. Pero esa preocupación por la geopolítica no es tal si vemos cómo La langosta azul está aderezada con tintes de ironía y mamagallismo tan propios de la humanidad de Cepeda.

El cortometraje de Cepeda y sus amigos sigue suspendido por siempre sobre nuestro cielo. Va y viene como la cola del papagayo en que fue elevada aquella langosta atómica. Seguirá ocupándonos por siempre y recordándonos que hace mucho tiempo un grupo de intelectuales atípicos lograron escribir, pintar y filmar un pedazo inconmensurable de nuestro Caribe.

El hombre en el castillo, ucronía absoluta.


Sí, estados unidos fue el gran perdedor en la guerra. Los estados comprendidos entre la costa oeste y las rocallosas, se encuentran bajo ocupación Nazi, tomando el nombre de American Reich.

Los Nazis ganaron la segunda guerra mundial, Estados Unidos fue invadido por el ejercito alemán, y los japoneses han tenido éxito en la toma de Pearl Harbor. Washington, la Casa Blanca y el pentágono, ardieron contemplando el poder de la bomba atómica con la que Adolf Hitler puso fin a la invasión. En ese extraño mundo se desarrolla la trama de la serie El hombre en el castillo.

Una producción de Amazon Video que nos muestra el drama, el dolor, las interacciones sociales, las presiones políticas, la guerra de guerrillas urbanas, que se han dado luego del triunfo Nazi en la segunda guerra mundial. Una serie inspirada en la novela homónima escrita por Philip K. Dick, publicada en 1962, que tuvo éxito relativo en ventas. La historia se desarrolla en los años sesenta. Tras el fin de la segunda guerra, Estados Unidos lleva casi dos décadas ocupada por los Nazis y los japoneses. Sí, estados unidos fue el gran perdedor en la guerra. Los estados comprendidos entre la costa oeste y las rocallosas, se encuentran bajo ocupación Nazi, tomando el nombre de American Reich. La cultura norteamericana ha sido devastada. Hitler, inteligentemente, mantiene en la bandera del Reich americano las franjas blancas y rojas, pero en lugar de estrellas, lleva una cruz esvástica, mandando así un mensaje claro: la tierra de sus antepasados ya no existe, ahora todo hace parte del Gran Reich Nazi.

Japón, luego del triunfo contundente en el bombardeo a Pearl Harbor, desplegó su flota por el pacífico hasta llegar a San Francisco. Lo comprendido entre las rocallosas y la costa este se encuentra ocupado por el imperio del sol naciente. Si en el Reich americano los ciudadanos adoptaron la cultura Nazi, en los estados del pacífico las relaciones sociales toman otro color. Verán, la idea de la raza superior Nazi, se afinca en el mito de la raza aria, lo que le da oportunidades a todos los habitantes del Reich americano, siempre que puedan probar la pureza de su sangre. Caso contrario a lo que ocurre en los estados del pacífico. Los japoneses se consideran, igual que los Nazis, como una raza superior a la americana, incapaz de ver como igual a cualquiera que no sea japonés. No solo es un asunto de aspecto físico. La idea de superioridad de los japoneses está basada en su milenaria cultura, de modales cuidados, de respeto sin igual a sus iguales. Todo aquel que esté por fuera del canon cultural japonés, es poco más que un animal salvaje.

Siendo, tal como se ha contado hasta el momento, una historia intrigante, digna de ser vista por su ingenioso guion, introduce a la trama un elemento en inicio extraño, pero que conforme pasan los capítulos, viene a ser fundamental: una serie de películas que muestran un desenlace distinto de la guerra: Estados Unidos, junto con los aliados, destruyeron el imperio Nazi. En Washington jamás cayó una bomba. Hiroshima y Nagasaki fueron quemadas por las bombas atómicas. La teoría de los multiversos es introducida con cuidado a la trama, pues el guion no pretende adentrarse de lleno en la fantasía o la ciencia ficción. La serie tiene la firme intención de mostrarnos el complejo entramado de los multiversos, y cómo un detalle puede cambiar el curso de la historia. En el universo donde se ambienta el guion, el Día D fue un fracaso para los aliados, los cerebros que ayudaron a construir la bomba atómica para Estados unidos, no alcanzaron a huir de la Alemania Nazi, y Heisenberg no titubeó ante la posibilidad de construir una bomba atómica. Jamás hubo errores de cálculo.

La serie sostiene que existen tantas versiones de los personajes como universos hay. Cada versión es distinta, con amores y odios diferentes. Es en este punto donde la serie da un salto al vacío: los personajes se pueden mover de un universo a otro siempre que, al universo al que van, su versión ya no exista. A quienes han podido viajar de un universo a otro, se le conoce como viajeros, y son éstos los que introducen las películas que muestran un mundo distinto al habitado por ellos.

Una serie recomendada, con un guion tan o más intrincado que el de Westworld, serie original de HBO, de la cual estemos hablando en las próximas entregas.

Si odias las series de superhéroes, deberías ver Daredevil.


En esta serie no verán a un hombre digitalizado saltando las paredes, ni verán un derroche de efectos visuales. Verán a un hombre con una máscara siendo brutalmente golpeado y humillado, que no siempre sale bien librado de sus enfrentamientos pues, aunque “la vista está sobrevalorada” la ceguera siempre será una desventaja.


Era poca la fe que se tenía de resucitar algo que ya se creía muerto. La adaptación cinematográfica de uno de los cómics más respetados de Marvel fue un completo fracaso, la actuación de Ben Afleck y el pobre guion de Mark Steven Johnson se encargaron de darle el golpe mortal al justiciero Daredevil y encima, su precuela, enfocada esta vez en el personaje de Elektra, se orinó sobre su tumba.

Tuvieron que pasar doce años para que Netflix, la plataforma de streaming más exitosa del mundo adquiriera sus derechos y pudiera ofrecer, esta vez como serie de televisión, una mejor versión de El Diablo de Hell’s Kitchen, y a pocos días de ser lanzada su tercera temporada podemos confirmar que es una de las mejores series producidas por Netflix.

Es un error comparar adaptaciones audiovisuales con sus obras literarias originales, pero sería apenas justo comparar esta serie con su predecesora, aquella penosa película escrita y dirigida por Mark Steven Johnson, y una de sus diferencias más notables es el desarrollo de sus personajes protagónicos. En la película, Matt Murdok (Ben Afleck) es un abogado ciego, arrogante y presuntuoso de sus habilidades especiales adquiridas luego del accidente que le ocasionó su ceguera, aunque tiene frustraciones, estas no lo definen, haciendo que la resolución de transformarse en Daredevil sea producto de su propio egoísmo. Un héroe con estas características no sería para nada empático con la audiencia, aunque hubiera algunas excepciones como el antihéroe John Constantine.

Por su parte el actor Charlie Cox interpreta a un Matt Murdock más emocionalmente inestable, con dramáticos problemas de aceptación y definición de sí mismo, y por supuesto a un Daredevil más verosímilmente vulnerable, lo que ofrece mejores escenas de lucha donde el espectador sufre preocupación por un “súper” héroe ciego que podría morir cada vez que se pone la máscara. La verosimilitud fue fundamental, en esta serie no verán a un hombre digitalizado saltando las paredes, ni verán un derroche de efectos visuales. Verán a un hombre con una máscara siendo brutalmente golpeado y humillado, que no siempre sale bien librado de sus enfrentamientos pues, aunque “la vista está sobrevalorada” la ceguera siempre será una desventaja. La lucha contra el crimen nunca fue más peligrosa para un héroe enmascarado, eso es quizá, el toque secreto para la resurrección de El hombre sin miedo.

Podríamos seguir comparando la estereotipada actuación del fallecido Michael Clarke Duncan con la trágica y escabrosa actuación de Vincent D’Onofrio interpretando a Wilson Fisk; o la caricaturesca y ridícula actuación de Colin Farrell con la dramática y tenebrosa actuación de Wilson Bethel interpretando a Bullseye, pero la serie de Netflix va más allá de la profundización de sus personajes y sus buenas actuaciones, su complejo entramado, su dramatismo, el enfoque policiaco, y por supuesto la realización de cada escena de acción hacen que Daredevil sea una serie digna de ver. Su fotografía, con escenarios oscuros y sus contrastes de iluminación toman una excelente visión de una Nueva York asediada por el crimen y la corrupción de la justicia.

No por nada, es la serie de Marvel-Netfilx más vista, sus series hermanas producidas también por Netflix y ambientadas en el mismo universo como Luke Cage y Iron Fist han sido canceladas por su baja audiencia, a pesar de que sus personajes principales interactúan en crossover en la miniserie The Defenders que pasó sin pena ni gloria. Nunca antes una serie de superhéroes fue más interesante e intrigante, apreciable por donde se le vea, y no tienes que ser un fan de los cómics para ver una serie que se sale de los esquemas, que aunque no prometa perfección, lo que sí promete es que no querrás levantarte del sillón.

@vyerena