Volvemos a las escuelas y qué llevamos de nuevo. ¿Hay un interés real de los docentes de cambiar en algo esa relación con el estudiante que en este año empieza a renovarse?
Dos seres totalmente distintos vuelven a la escuela. Por un lado, el joven que —morral en la espalda— camina mientras cabecea una canción de Canserbero. Va un tanto tranquilo tal vez por el ritmo de la canción o por la ingenua fantasía sexual cumplida en la ducha. Es un jovencito más, feliz, ignorante, que vuelve a la escuela. Por otro lado, el profesor. Las deudas de dos bancos en su cabeza, el andar cansino, algún gesto de fastidio por el exceso de responsabilidades y la esperanza —siempre la esperanza— de aquella justicia divina que sabe darle buenos finales a los hombres, y que tanto vio en las telenovelas que formaron su intelecto.
El encuentro de estos dos seres resulta chocante, a pesar de que sus personalidades tienen un punto en común: la ignorancia. Entonces, lo que los confronta, más allá de la edad, es la forma en la que ven el mundo. De alguna u otra manera, los profesores se creen la idea de que enseñan y forman para la vida en sociedad. Que han descifrado la manera correcta de vivir. Los estudiantes, por su parte, sin detenerse a reflexionar, actúan conforme a lo que le presentan las modas juveniles del momento. Nunca estas modas son las adecuadas, según las consideraciones del maestro ni según cualquier manual de convivencia de ningún colegio del planeta.
Empiezan, entonces, los desacuerdos. El uniforme debe portarse de cierta manera, el peinado debe ser así, los labios no deben tener color, la falda no puede ser tan corta, los pantalones no pueden estar tan ajustados, etcétera y etcétera. Y estas son las simples formas en las que se empiezan a coartar a los niños. Pero más allá de estas órdenes tan explícitas para empezar a moldear al estudiante, están las clases —aburridas y reiterativas— que enseñan, sobre todo, a no permitir ningún atisbo de cambio en el alma de ninguna de estas personas.
Ese es el tema. Empieza el nuevo año, vuelven los niños y los jóvenes con sus sueños y con toda la posibilidad de imprimirle cambio a las sociedades. Y volvemos, también, los docentes. Que no hemos aprendido a mirar más allá del fin de mes donde, creemos, se solucionan todos los problemas. ¿Ya pagaron? ¿Llegó el aumento? ¿Vino la bonificación? Esas son nuestras prioridades, porque hemos aprendido a sobrellevar la vida pagando deudas y a comprenderla a través de un televisor.
Por eso, prefiero la ignorancia de los estudiantes. El joven mira por la ventana del salón a la chica que le gusta mientras el profesor de ética habla de abstinencia. El niño pregunta al profesor de lenguaje para qué sirve aprender eso de los movimientos literarios, y el profesor lo castiga. El estudiante celebra el timbre que anuncia el comienzo de la hora del recreo, y el profesor oculta esa pequeña felicidad. Es mucho más divertida la ignorancia de los niños. A ellos se las acepto, los disfruto, río y los comprendo. Pero esos profesores que no leen, que no se informan más allá de lo que les afecta el bolsillo, esos adultos cuyos sueños se reducen a sobrevivir hasta donde les alcanza el sueldo me resultan despreciables.
Volvemos a las escuelas y qué llevamos de nuevo. ¿Hay un interés real de los docentes de cambiar en algo esa relación con el estudiante que en este año empieza a renovarse? ¿O pasará lo de siempre y nos volveremos a dejar llevar por la monotonía alienante? El despertador, el desayuno, el fastidio, el cansancio, pagar, comprar, pagar, prestar y pagar. Y luego, hasta el niño más inquieto empieza a seguir ese modelo. Ninguno recuerda la clase de ayer. Para el niño y para el profesor, la escuela es un trámite que cumplen sin entender bien por qué.
¿Cabe la posibilidad de que la historia de estos dos personajes empiece a cambiar? De ser posible, el cambio está en manos del profesor. Pero he visto que, hasta el más sindicalista, transgresor y rebelde, busca domar al estudiante con ideas conservadoras. Y mientras se mantenga esta generación de docentes amainados mentalmente, será imposible que pueda funcionar cualquier metodología de enseñanza.
Sonará el timbre que indica el final de las clases. El joven saldrá caminando despacio y con el ceño fruncido por el sol que ahora agobia y por las reprimendas recibidas. El morral pesará un poco más y, a medida que pasen los días, empezará a acumular actividades que realizará casi mecánicamente con ayuda de un celular o un computador.
El profesor también habrá terminado la jornada, sentirá la garganta seca y adolorida, un leve alivio se le confundirá entre el deber cumplido y el anhelado descanso. Estos serán sus días todo el año hasta que la tensión llegue a tope. Sin embargo, al llegar al periodo final, al día definitivo de los resultados de todo el año, el profesor, menos emocionado que el alumno, mostrará la nota de aprobación. El estudiante sentirá felicidad, aunque eso haya significado ser menos joven y menos soñador.
En 2014 Romario es senador por Río de Janeiro. «Con 4.683.572 votos soy el senador más votado de la historia del Estado de Río.»
Esta joya de gol (video al final de la nota) define lo que era en la cancha: un jugador elegantemente letal. El astro brasileño anunció oficialmente su retiro en el 2008 jugando para el Vasco da Gama. Romario llegó a la astronómica cifra de 1002 goles en su carrera profesional.
Hoy, Romario sigue haciendo goles, esta vez desde la política, a la que llega en 2010 como diputado federal por el partido Socialista Brasileño.
En 2014 es senador por Río de Janeiro. «Con 4.683.572 votos soy el senador más votado de la historia del Estado de Río de Janeiro. Mis padres, ni en el mejor escenario, imaginarían que aquel niño que salió de la maternidad en una caja de zapatos ocuparía uno de los más altos cargos de la República (de Brasil)”, dijo el genio brasileño tras ser elegido.
Siendo diputado, encabeza los debates de control político contra la corrupción en la Confederación Brasilera de Fútbol. Presidió la comisión que investigó corrupción en el deporte de su país, además de promover leyes a favor de las personas con discapacidades físicas y cognitivas.
En 2016 estuvo entre los posibles candidatos para alcalde de Río de Janeiro. Las encuestas lo daban ganador, pero declinó.
En 2018 fue candidato a la gobernación de Río de Janeiro. Quedó fuera de la segunda vuelta.
Video tomado del canal de YouTube FC Barcalona https://www.youtube.com/watch?v=YikRE3gex1I
¿Te animas a definir a Romario en una sola palabra?
Esta es la lista completa de nominados a la deseada estatuilla en la gala de la 91 versión de los premios Oscar este 24 de febrero:
Hace un par de semanas La Academia de Cine de Hollywood ha anunciado la lista de los nominados a los Oscar de este año, y, para sorpresa de muchos, Bohemian Rapsody, la película sobre la vida de Freedy Mercury y su banda Queen que más prometía nominaciones importantes, sólo obtuvo una para la formidable actuación de Rami Malek en el papel estelar y otra como mejor película. Por su parte, Roma, la alabada película dirigida por Alfonso Cuarón tuvo 10 nominaciones incluyendo mejor película, mejor dirección y mejor guion original. Esta es la lista completa de nominados a la deseada estatuilla en la gala de la 91 versión de los premios Oscar este 24 de febrero:
MEJOR PELÍCULA
Green Book: ganadora a tres globos de oro incluyendo mejor película comedia o musical. En época de segregación racial, un pianista negro contrata a un rudo italoamericano para que sea su escolta durante una gira por el sur de los Estados Unidos. Black Panter: sería el primer filme de superhéroes que ganaría un Óscar a mejor película, con una historia que rompe con los esquemas y los típicos clichés de este género. Basada en el cómic homónimo de Marvel, T´Chala nuevo rey y protector del país de Wakanda como el Pantera Negra, tendrá que enfrentarse a un enemigo igual de poderoso en la lucha por el reino y el bienestar de su nación. Roma: Con diez nominaciones, esta película es un retrato visual de México de los años 70. La historia se cuenta a través de Cleo, una mujer mixteca que trabaja como empleada del servicio doméstico en la colonia Roma. A Star Is Born: La tercera adaptación de la película homónima de 1937. El conocido actor Bradley Cooper escribió, dirigió y protagonizó este drama musical romántico al lado de la cantante Lady Gaga. Jackson, una estrella de música country con problemas de alcoholismo, descubre el talento de Ally, una joven cantante de la que se enamora. Mientras la carrera de ella asciende, Jackson se da cuenta de que sus días de gloria han llegado a su fin. Vice: Nuevamente Christian Bale asume otra transformación física para interpretar, esta vez, el papel de Dick Cheney, el vicepresidente más poderoso que tuvo Estados Unidos. The Favourite: protagonizada por Emma Stone, Rachel Weisz, Olivia Colman, este otro biopic narra la historia de Ana de Gran Bretaña (1707-1714), la última soberana británica de la Casa de los Estuardo. Bohemian Rapsody: La vida y obra de Freddy Mercury dentro de una de las bandas más importantes de la historia de la música fue merecedora de esta nominación. BlacKkKlansman: Esta comedia dramática de Spike Lee está basada en una historia real donde un policía negro se infiltra nada menos que en las filas del Ku Klux klan.
MEJOR PELÍCULA DE HABLA EXTRANJERA
Cafarnaúm: Dirigida por Nadine Labaki, esta película libanesa fue ovacionada por quince minutos en el Festival de Cine de Cannes donde recibió el Premio del Jurado. Never Look Away: Un filme alemán que aborda la historia de Alemania desde el nazismo hasta el dominio comunista en el Este, a través del personaje principal que sigue atormentado por los recuerdos de su infancia bajo el dominio nazi. Manbiki Kazoku: Escrita y dirigida por Hirokazu Kore-eda narra el drama de una mísera familia japonesa que decide adoptar a una niña abandonada. Cold War: una historia de amor en medio de la Guerra Fría. Roma: Sin duda, al menos una de las dos estatuillas que premian la mejor película del año estará en la estantería del director Alfonso Cuarón.
MEJOR DIRECTOR
Pawel Pawlikoswski por Cold War Yorgos Lanthimos, por The Favourite. Alfonso Cuarón, por Roma Adam Mckay, por Vice Spike Lee, por BlacKkKlansman
MEJOR ACTOR
Willem Defoe (Vincent Van Gogh), por At Eternity’s Gate: una película biográfica que narra los últimos años de vida del pintor Vincent Van Gogh Christian Bale, (Dick Cheney), por Vice Bradley Cooper (Jackson Maine), por A Star Born Rami Malek (Freddy Mercury), por Bohemian Rapsody Viggo Mortinsen (Frank «Tony Lip» Vallelonga), por Green Book
MEJOR ACTRIZ
Glenn Close (Joan Castleman) por The Wife, película basada en la novela homónima sobre la esposa de un premio Nobel de Literatura. Melissa McCarthy (Leonore Carol «Lee» Israel), por Can You Ever Forgive Me? Comedia dramática basada en las memorias de la escritora Lee Israel, Yalitza Aparicio (Cleodegaria “Cleo” Gutiérrez), por Roma. Olivia Colman (Reina Ana Estuardo), por The favourite. Lady Gaga (Ally), por A Star Born.
MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Mahershala Ali (Don Shirley), por Green Book Adam Driver (Flip Zimmerman), por Blackkklansman Sam Elliott (Bobby Maine), por A Star Born Richard E. Grant (Jack Hock), por Can You Ever Forgive Me? Sam Rockwell (George W. Bush), por Vice
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA Regina King (Sharon Rivers), por If Beale Street Could Talk, un filme escrito y dirigido por Barry Jenkins. Basada en la novela homónima de James Baldwin Amy Adams (Lynne Cheney), por Vice Marina de Tavira (Sofía), por Roma Emma Stone (Abigail Masham), por The Favourite. Rachel Weisz (Sarah Churchill), por The Favourite.
MEJOR GUION ORIGINAL
Firs Reformed, escrito por Paul Schrader, narra la historia de un pastor evangélico radicalizado por su encuentro con un activista medioambiental. Green Book, escrito por Nick vallelonga, Brian Currie y Peter Farrelly. Roma, escrito por Alfonso Cuarón. The Favourite, escrito por Devorah Davis y Tony McNarama. Vice, escrito por Adam Mckay.
MEJOR GUIÓN ADAPTADO The Ballad of Buster Scruggs, escrito por Joel y Ethan Coen inspirados en los relatos literarios de Stewart Edward White y Jack London. Blackkklansman, escrito por Spike Lee y basada en el libro Black Klansman del autor Ron Stallworth. Can you ever forgive me? escrito por Nicole Holofcener y Jeff Whitty, basados en las memorias de Lee Israel del mismo nombre. If Beale Street Could Talk, escrito por Barry Jenkins, basado en la novela homónima de James Baldwin. A star Born, escrito por Bradley Cooper, Erick Roth y Will Fetters, basados en el guion original de la película homónima de William A. Wellman
MEJOR PELÍCULA ANIMADA
The Incredibles, de Brad Bird. Isle of Dogs, de Wes Anderson. Mirai no Mirai, de Mamoru Hosoda. Ralph Breaks the Internet, de Rich Moore y Phil Johnston. Spider-Man: Into the Spider-Verse, de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman
MEJOR FOTOGRAFÍA Cold War, de Lukasz Zal. The Favourite, de Robbie Ryan. Never Look Away, de Caleb Deschanel. Roma, de Alfonso Cuarón. A Star Born, de Matthew Libatique.
MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN Black Panther, de Hannah Beachler. The Favourite, de Fiona Crombie y Alice Felton. First Man, de Nathan Crowley, Kathy Lucas. Mary Poppins Returns, de John Myhre y Gordon Sim.. Roma, de Eugenio Caballero y Bárbara Enrı́quez.
MEJOR VESTUARIO The ballad of Buster Scruggs, de Mary Zophres. Black Panther, de Ruth E. Carter. The Favourite, de Sandy Powell. Mary Poppins retorns, de Sandy Powell. Mary, Queen of Scots, de Alexandra Byrne.
MEJOR MONTAJE Blackkklansman, de Barry Alexander Brown. Bohemian Rhapsody, de John Ottman. Green Book, de Patrick J. Don Vito. The Favourite, de Yorgos Mavropsaridis. Vice del poder, de Hank Corwin.
MEJORES EFECTOS ESPECIALES Avengers: Infinity War, de Dan DeLeeuw, Kelly Port, Russell Earl y Daniel Sudick. Christopher Robin, de Chris Lawrence, Mike Eames, Theo Jones y Chris Corbould. First Man, de Paul Lambert, Ian Hunter, Tristan Myles y J.D. Schwalm. Ready Player One, de Roger Guyett, Grady Cofer, Matthew E. Butler y David Shirk. Solo: A Star Wars Story, de Rob Bredow, Patrick Tubach, Neal Scanlan y Dominic Tuohy.
MEJOR MAQUILLAJE Border, de Göran Lundström y Pamela Goldammer. Mary, Queen of Scots, de Jenny Shircore, Marc Pilcher yJessica Brooks. Vice, de Greg Cannom, Kate Biscoe yPatricia DeHaney.
MEJOR MONTAJE DE SONIDO A quiet place, de Ethan Van der Ryn y Erik Aadahl. Black Panther, de Benjamin A. Burtt y Steve Boeddeker. Bohemian Rhapsody, de John Warhurst. First Man, de Ai-Ling Lee y Mildred Iatrou Morgan. Roma, de Sergio Díaz, Skip Lievsay
MEJOR MEZCLA DE SONIDO Black Panther, de Steve Boeddeker, Brandon Proctor yPeter J. Devlin. Bohemian Rhapsody, de Paul Massey, Tim Cavagin y John Casali. First Man, de Jon Taylor, Frank A. Montaño, Ai-Ling Lee yMary H. Ellis. Roma, de Skip Lievsay, Craig Henighan y José Antonio García. A star born, de Tom Ozanich, Dean A. Zupancic, Jason Ruder y Steven Morrow.
MEJOR BANDA SONORA Black Panther, de Ludwig Goransson Blackkklansman, de Terence Blanchard The blues of Beale Street, de Nicholas Britell. Isle of Dogs, de Alexandre Desplat. Mary Poppins returns, de Marc Shaiman y Scott Wittman.
MEJOR CANCIÓN ORIGINAL All The Stars, de Black Panther I’ll Fight, de RBG. Shallow, de A star born The Place Where Lost Things Go, de Mary Poppins returns When A Cowboy Trades His Spurs For Wings, de The ballad of Buster Scruggs
MEJOR DOCUMENTAL Free Solo, de Jimmy Chin y Elizabeth Chai Vasarhelyi. Hale County This Morning, This Evening, de RaMell Ross. Minding the Gap, de Bing Liu. De padres e hijos, de Talal Derki. RBG, de Betsy West y Julie Cohen.
MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL Ovejas asesinas, de Ed Perkins. End Game, de Rob Epstein y Jeffrey Friedman. Lifeboat, de Skye Fitzgerald. A Night at the Garden, de Marshall Curry. Period. End of Sentence, de Rayka Zehtabchi.
MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN Detainment, de Vincent Lambe. Fauve, de Jeremy Comte. Marguerite, de Marianne Farley. Madre, de Rodrigo Sorogoyen. Skin, de Guy Nattiv.
MEJOR CORTOMETRAJE ANIMADO Animal Behaviour, de Alison Snowden y David Fine. Bao, de Domee Shi. Late Afternoon, de Louise Bagnall. One Small Step, de Andrew Chesworth y Bobby Pontillas. Weekends, de Trevor Jimenez.
Cech es el portero con mayor número de vallas invictas en la liga inglesa
Fotografía tomada de theshortfuse.sbnation.com
Al final de esta temporada, Peter Cech colgará los guantes. El histórico portero checo, que actualmente milita en las filas del Arsenal, anunció su retiro de las canchas, después de 20 años como profesional. Durante su carrera futbolística en Inglaterra, Cech ganó en una ocasión la Champions League y la Europa League, tres veces la Community Shields, cuatro veces la Premier League y cinco veces la FA Cup.
A sus 36 años, el guardameta de los Gunners ostenta dos Guinness Records: Cech es el portero con mayor número de vallas invictas en la liga inglesa, 202 en total, 33 arcos en cero por encima del mítico David James.
El otro récord de Cech es el de convertirse en el portero con dos guantes de oro jugando con dos clubes distintos. (Chelsea y Arsenal, respectivamente).
124 veces internacional con la República Checa (futbolista checo con más partidos con su selección), Cech se retirará compitiendo con Leno por la titularidad en el Arsenal y en busca de un título que ponga el broche de oro a sus dos décadas en la élite.
Todas estas canciones son un capricho del artista que decidió citar, en una misma noche, a sus maestros de infancia y cantar con ellos sus canciones.
Rafa Pérez canta —y con mucho éxito en redes y radio— vallenato. La fórmula que ha seguido no es nueva: tomó un puñado de canciones de lo que ya son los nuevos clásicos de la canción vallenata, buscó a sus compositores, unos más reconocidos que otros; y con ellos, con los que están vivos, montó una real parranda vallenata.
Para ello, se valió de la imagen visual que el vallenato tuvo en las décadas de los ochenta y noventa —de hecho, las canciones seleccionadas son en su mayoría de estas dos décadas—. El escenario de Rafa Pérez canta vallenato nos recuerda a Estelares del vallenato, programa de Telecaribe que en esos años nos ayudó, como el que más, a hacer visual el rostro y gesto de cantantes y compositores vallenatos.
La imagen visual de Rafa Pérez canta vallenato es similar a aquel programa de televisión: poco público, pocas luces, un quiosco parrandero y mucho vallenato. Una parranda, en definitiva. Al vallenato le ha hecho daño la mucha industria. En un texto anterior, dije que la mucha industria mata el genio. Y no es mentira: las canciones de eso que, por fuerza comercial, llaman vallenato se han saturado de industria y han perdido la esencia musical. La tecnología se impuso a un sonido que esencialmente conectaba al hombre con su tierra.
Se me ocurre ahora decir que hay dos tipos de clásicos: los universales y los personales. Los primeros son aquellos que un grupo social amplio ha aceptado como tesoros invaluables e insustituibles —libros, álbumes, canciones, piezas de arte—. Los clásicos personales son lo que en literatura se llama el canon personal. Es decir, aquellas piezas que un artista asumió como importantes en su formación. No es estrictamente necesario que un grupo social tome los clásicos personales como piezas esenciales. Para el único que estas piezas son importantes es para el artista mismo, quien, mientras sueña, se forma en solitario.
Yo sospecho que las canciones que Rafa Pérez recogió en este álbum hacen parte del canon personal del mismo cantante. Sí, sus canciones están en el cancionero de toda una generación, pero estas no son las mejores ni las más trascendentales. Por ejemplo, la canción que ha despegado en solitario de este álbum «Mi novia mujer» no es la mejor ni la más conocida de Jesús Manuel Estrada. Y el mismo Jesús Manuel Estrada no es tampoco uno de los compositores más reconocidos del ámbito musical vallenato.
Todas estas canciones, entonces, son un capricho del artista que decidió citar, en una misma noche, a sus maestros de infancia y cantar con ellos sus canciones.
En el pedacito de mundo en el que vivo —y que está en contacto con cualquier cosa, antes que con música vallenata— tres canciones han sido muy escuchadas en los últimos dos años: «Tardes de verano», «Me rindo, Majestad» y, ahora, «Mi novia mujer». Todas son canciones grabadas hace muchos años y hechas a la vieja usanza. Y yo pregunto, ¿Si allí está la clave del éxito, por qué los cantantes persisten en grabar cosas tan mediocres como las que escribe Diego Daza?
Las cosas exitosas suelen hacer mella en las personas. Logran que la gente quiera volver a ellas hasta con el recuerdo. Lo viral, en cambio, suele olvidarse.
En estos tiempos hay que saber diferenciar lo exitoso de lo viral. Entender que una cosa puede tener amplia aceptación por su gran calidad o simplemente porque se antoja divertida. En el segundo caso, hablamos de viralización. La cosa se vuelve divertida pero pasajera. En cambio, las cosas exitosas suelen hacer mella en las personas. Logran que la gente quiera volver a ellas hasta con el recuerdo. Lo viral, en cambio, suele olvidarse. Tal como olvidaremos ese cúmulo de gráficas sin sentido que se llama Bird Box.
Una película que se mueve entre el suspenso y el terror, pero nunca puede consolidar ni lo uno, ni lo otro. La clave de todos sus errores está en la falta de argumentos. El argumento central de la película no se sostiene porque no sabe cómo hilvanar el juego simbólico que propone. Un argumento no debe mostrarse abiertamente para que una película logre tomar forma y estar definida como una buena obra; más que mostrar la idea y dejarla clara, debe desarrollarla con la experticia técnica y consolidarla, explícita o implícitamente, hasta que los significados y las emociones logren calar en el espectador. Nada de esto hace Bird Box.
Dicho de otro modo, la película está en un limbo semántico. La invisibilidad del monstruo que ataca a las personas, sólo es símbolo de la invisibilidad semántica de toda la película. Las distintas simbologías que se le quieran atribuir a este filme, no surgen de las virtudes fílmicas de la cinta sino de la autosugestión. Bird Box no tiene argumento que la sustente, y por ello todos sus intentos de generar emociones se vuelven absurdos.
Todo es inverosímil: el suspenso, el terror, los detalles, la caracterización de los personajes, el desenlace, etc. Sandra Bullock se esmera por desarrollar una actuación aceptable. Es, quizás, lo único que podemos rescatar del filme, sin embargo, esto termina siendo un detalle aislado cuando evaluamos la obra en su totalidad. La actuación de Sandra queda como un esfuerzo vano, porque no hay argumento que la respalde.
Es imposible, entonces, no recordar The Birds, la clásica película de Alfred Hitchcock. En esta cinta hay una clara demostración de cómo hacer mucho con poco. En el clásico permanece la falta de explicación racional para entender por qué a los pájaros se les ha dado por atacar a las personas. Pero más allá de pretender conseguir una compleja significación que ayude al espectador a conectarse con la obra, Hitchcock apunta a la depuración técnica para desarrollar la idea. Al final, esa idea sólo resulta ser una excusa para estructurar magistralmente la narración cinematográfica. Todo complementado con diálogos interesantes y personajes verosímiles que logran llevar las sensaciones de suspenso y terror.
En cambio, en Bird Box, los personajes son extremadamente predecibles y clichés. El bueno, el malo, el nerd, la ingenua, el tonto, etc. Caracterizaciones tan planas y sencillas que arrastran predeciblemente su intrascendencia. Esta situación, sumada a los diálogos pobres, hace que no haya ambientación propicia para sentir el clima de suspenso. Y si alguna vez lo consigue, cae en un error peor, no lograr mantenerlo. Lo que hace que el espectador no mantenga la concentración y termine frustrado y aburrido.
Bird Box no es más que un fenómeno viral pero no exitoso. Una película hecha para encontrar, en estos tiempos de insomnio crónico, los magníficos placeres del sueño. Porque es tan aburrida que sólo invita a dormir, para luego despertar y haberla olvidado del todo.
La violación y el asesinato de niños son un asunto tan corriente en nuestro país que hace mucho dejó de importarnos. La reacción nuestra es la furia momentánea. Maldecimos la aberración y al aberrante. Luego, volvemos a otra tendencia, a otro hashtag.
https://www.youtube.com/watch?v=h4qfYPWAPCQ
En el video, un niño llamado Renato se dirige a todos con el protocolo y la solemnidad de un funeral religioso. En la tierra, cava la tumba del ave muerta, mientras entona, con toda reverencia, el Ave María. Posteriormente, el ave es puesta en tierra. Sorpresivamente, aparece una perra que se lo lleva a la boca para comérselo. De inmediato, Renato intenta abrir la boca del animal para sacar a Chimuelo (así se llama el ave), forcejean un momento y, finalmente, Chimuelo es rescatado. “Está con un poco de baba, pero está en paz”, dice aliviado el pequeño, para luego proceder a enterrar nuevamente el cuerpo de su mascota.
Lo de Renato es un gesto de humanidad, de verdadero altruismo. No solo porque se trata de un niño que quiere a su mascota —eso lo sabemos de casi todos los infantes—, sino porque, sin quererlo, rompe con el cliché de amar lo perfecto. “Cuando decidimos comprarlo, me di cuenta que era especial, tenía una deformidad genética, las alitas no le crecieron nunca, por eso no podía volar”, explicó posteriormente Renato, quien vivió con el ave por más de año y medio.
La sensibilidad y el instinto animal tienen lugar en un brevísimo momento del video. Sin embargo, éste logró ser tendencia no solo por la emotiva despedida que el niño le hace a su ave, sino también por la intromisión de la perra. Este es un elemento determinante en la viralización, por ello podríamos decir que, además del adiós a Chimuelo, asistimos por igual a la inoportuna sevicia del canino.
En un animal, el instinto depredador es admisible, pues es su naturaleza. Un animal es incapaz de discernir qué significa la indefensión, la vulnerabilidad. Por el contrario, se vale de ellas para satisfacer su inmediata necesidad.
Mientras Chimuelo se hacía viral, en Colombia conocimos tres aberrantes noticias sobre asesinatos y abusos sexuales contra menores de edad: Pastor Gómez acaba de ser trasladado a la cárcel La Picota por ser responsable de la violación y el asesinato de la niña Angie Lorena Nieto, de 12 años, en el departamento del Meta.
«Que me cuiden a mis hijos» fue el pedido de Gómez a los padres de la niña asesinada.
En Santa Marta, un niño de 10 años, discapacitado, fue víctima de abuso sexual por parte de un hombre que, valiéndose de la limitación del menor, lo engañó y logró llevarlo debajo de un puente. Allí perpetuó la violación. Los dos responsables del abuso y asesinato del niño de 7 años, Hans Tafur, ocurrido el mes pasado en el departamento de Caldas, fueron recientemente capturados y llevados ante la justicia.
La violación y el asesinato de niños son un asunto tan corriente en nuestro país que hace mucho dejó de importarnos. La indignación solo dura unos minutos, unos cuantos comentarios, unos cuantos likes. La reacción nuestra es la furia momentánea, nada más. Maldecimos la aberración y al aberrante, nada más. Luego, volvemos a otra tendencia, a otro hashtag.
Nosotros, los indignados, no hemos sido capaces de salir a la calle y exigir al gobierno de turno que haya una política de estado que verdaderamente proteja la vida de los niños, que endurezca el castigo a quienes cometen el delito y se ocupen mucho más por la prevención que por la terapia psicológica de acompañamiento.
Lo nuestro es reírnos del perro que se come al pájaro. Lo nuestro es hacer comedia de la tragedia del otro. Lo nuestro nunca ha sido aprender de la sensibilidad de Renato, porque este sistema en el que vivimos nos dice que debemos proteger solo aquello que nos otorga un beneficio inmediato y concreto. ¿Para qué preocuparse por un niño? ¿Por un discapacitado? ¿Por un funeral de mentiras?
Los demonios del infierno nos prefieren porque los colombianos estamos siempre dispuestos a perjudicar al más indefenso. Y somos tan imbéciles que no nos levantamos contra el que verdaderamente nos jode.
Cagarse en el pasado es muy duro. Pero a Silvestre Dangond le salió facilito. Y esto ocurrió porque cuando no se tiene la inteligencia para reconocer la magnanimidad y perfección de lo bello, la cagada fluye como el río de Heráclito.
Arruinar el presente es más fácil, porque de hecho todos lo hacemos diariamente con nuestras acciones y palabras. Arruinar el presente implica también arruinar el futuro. Las cagadas de ahora se terminan disgregando en el futuro y afectando a cuanto cristiano se atreviese en nuestra senda. De esto habla la teoría del caos: la cagada de una mariposa en el presente puede ocasionar un aguacero de mierda —como alguna vez pensó Roberto Bolaño llamar a su novela Nocturno de Chile— en el futuro. Presente y futuro, en conclusión, son fácilmente arruinables.
Pero para cagarse en el pasado se necesita hacer un esfuerzo descomunal. Lo que alguna vez fue bello y perfecto lo será por siempre. Entiéndase ese «por siempre» en el sentido de que por lo menos lo será para el grupo social que alguna vez le dio el estatus de bello y perfecto. Así que la afirmación no debe entenderse como dogma, porque ni siquiera el tiempo es para siempre.
Cuando de manifestaciones artísticas se trata, un grupo social mira hacia el pasado y acepta que El Pensador de Rodin es bello, que Crimen y castigo de Dostoievski es perfecto y por ello ambas obras siguen siendo importantísimas —por bellas y perfectas— e insuperables. Intentar hacer copias de ellas es arruinarlas. En pintura, donde hay todo un mercado de la imitación y la falsificación, una vez descubierto el timo, las telas falsificadas valdrán poco menos que un trapo de cocina.
¿Y qué con esto? Pues ocurre que como colombianos teníamos algo claro: «El santo sachón» —la canción y el video— era lo mejor que se había hecho en la historia de la música nacional. No había narrativa mejor construida que la del video de «El santo cachón». No había simbiosis más perfecta entre una canción y su video —desde los tiempos de Michael Jackson— que lo hecho por Los embajadores del vallenato en la década del noventa.
En los años noventa, los mejores videos musicales de Colombia eran los playbacks de «El Chou de las Estrellas» o los cabezotes de De pies a cabeza y Tentaciones. En aquel entonces, mientras veíamos vídeos musicales, el sonido de la canción solía ir por Quibdó y el gesto del cantante por Cúcuta. Cuando veíamos cantar a Diomedes Díaz en la TV, no había terminado de cantar «26 de mayo» cuando ya estaba sonando «El condor herido».
Pero aparecieron unos creadores desconocidos — tipos jóvenes, frescos, inspirados, supongo yo— y crearon un universo con dos espejos, una cámara y una montonera de gente curiosísima y carnavalesca. Todo era bello, dotado de hermosura… Hasta que a Silvestre Dangond se le ocurrió, dos décadas después, que era buena idea hacer un remake de la perfección.
Y entonces, se recagó, con facilidad pasmosa, mil veces en el pasado.
Lo primero que hizo con este excrementicio y sacrílego acto fue sacar de las cavernas del olvido en que teníamos enterrado a Robinson Damián —otrora cantante de Los embajadores—. Ahora Robinson está obeso, torpe y parece más de hule que de carne. Con los años, perdió el donaire y aquella canturreada ebria que solía poner en algunos momentos de su interpretación: «Yo sé que estoy borracho, borracho. Borracha está mi alma, borracha está mi vida» o «Seguiré bebiendo ron porque así me cuida el diablo. Porque así me cuida el diablo, mi vida, seguiré bebiendo ron».
Lo segundo, fue copiar la misma escenografía: los mismos dos espejos, los mismos personajes, las mismas situaciones. Pero todo en interiores. Nada de playita, nada de sol natural. Todo es una farsa apenas comparable con los maderos y sillas de icopor con que golpeaban al Chapulín Colorado.
El video original tiene su encanto, su flow, porque todo es artesanal. La gente es fea, el perro es chandoso, el agua del lago que está al fondo es amarillenta, el acordeonero es ridículo, el cantante también. Todo, todo sin excepción es de una podredumbre preciosa. Y cuando uno reúne tanta miseria en un solo sitio, surge una obra de arte. En cambio, el nuevo video es tan estilizado, tan falso, tan Star War Episodio II que uno lo ve y siente pena por Robinson y por aquellos gloriosos años noventa. Desde el muñequito del comienzo —que ni es santo ni diablo— hasta el pasecito de Silvestre, que dicho sea de paso se lo robó a Franklin Moya, todo es de una torpeza simpar.
En fin, ahí está Silvestre cagándose en nuestro pasado, creyéndose salvador cuando lo que hace es ganarse treinta piezas de plata. Cagarse en el pasado es muy duro. Sí, señor. Pero a Silvestre Dangond le salió facilito. Y esto ocurrió porque cuando no se tiene la inteligencia para reconocer la magnanimidad y perfección de lo bello, la cagada fluye como el río de Heráclito.
Les dejo el video de «El santo cachón», el bello, el perfecto.
La vergüenza de Stanley por culpa de su oficio era tal que cambió su nombre por su pseudónimo. Así nació Stan Lee.
Fotografía tomada de fayerwayer.com
Stanley Lieber se adentró en el mundo del cómic a muy temprana edad y ayudó a construir los cimientos de un universo negado para la realidad. Inició su construcción en tiempos difíciles, en los que la valía de un hombre se medía por su capacidad para amasar fortuna o alcanzar la fama proviniendo de la pobreza absoluta.
En el país de las oportunidades, el joven Stanley se avergonzada de su oficio. En más de una entrevista se le escuchó decir, «sentía vergüenza por dedicarme a escribir cómics mientras otros construían puentes, levantaban edificios, buscaban la cura para una enfermedad». La vergüenza de Stanley por culpa de su oficio era tal que cambió su nombre por su pseudónimo. Así nació Stan Lee.
Si hoy consultas en Google el nombre de Stan Lee, al pie de la fotografía dirá: Stan Lee, escritor. Pero en sus inicios, dedicarse a la creación de cómics era un pasatiempo, indigno de ser puesto al nivel de una novela o un libro de poemas. Lee así lo entendía, por ello cambió su nombre y optó por encarnar su pseudónimo, pues tenía la firme aspiración de escribir una novela, y en ella poner el nombre que sus padres le habían dado: Stanley Martin Lieber.
Pero una cosa son los anhelos del hombre y otra son los caminos que el universo tiene trazados. Stan Lee, ese pseudónimo que nació de la vergüenza, estaba destinado a hacer del universo un lugar pequeño, a mostrar la fragilidad de la vida, de los planetas. Es Stan Lee quien inscribe su nombre en las historias más inspiradoras de la segunda mitad del siglo XX y las dos primeras décadas del siglo XXI.
Stan Lee, como si encarnara a uno de sus más queridos personajes, logró eliminar de su ser a aquel hombre racional que le decía: esto es un chiste, no manches tu nombre con esta basura de los cómics.
Ese hombre racional se llamaba Stanley Martin Lieber, quien nació junto con Stan Lee, pero murió a muy temprana edad.
El Día de los Inocentes debería servir para celebrar no las triquiñuelas y bromas, sino la inocencia. Celebremos la inocencia sin confundirla con la memez. No nos regodeemos jodiendo al otro, sino ayudándolo.
Marica el último es nuestra versión contemporánea de un dicho más conocido: «El vivo vive del bobo». Estas dos frases, entre una larga lista del refranero nacional, revelan nuestro lado más triste y grotesco: el ventajismo.
En otros lugares, he dicho que este es —literalmente— el país del rebusque. El rebusque no es solo una condición del desempleado ni del trabajador informal. En Colombia, desde el más alto funcionario hasta el profesor de escuela o el tombo se rebuscan. Porque —y cabe aquí otra frase común nuestra— «la situación está bien dura» y uno no sabe cuándo vaya a necesitar unos pesos adicionales. Rebuscarse es sacarle ventaja y provecho económico a una situación o persona. De ahí que «rebuscarnos la vida», en vez de revelar nuestra capacidad de supervivencia, lo que hace es mostrarnos como mercenarios. Puro ventajismo.
No importa en qué lugar de la escala social estés ubicado: siempre tienes que estar a la caza de una oportunidad para «conseguirte unos pesitos adicionales». Nada importan tu salario, las tierras, ni los ahorros: el rebusquito sirve para los gastos del día, para el colegio de los pelaos o para los tragos del fin de semana. Lo importante es rebuscarnos. Porque, como todo el mundo lo hace, «marica el último».
Detrás de nuestra constante capacidad de rebusque, repito, se revela nuestro ventajismo visceral. Ser ventajista es la regla para los colombianos. De allí viene, quizá, otra frase que en la infancia nos decían nuestros padres: «Si te pega, jódelo tú también». Pues, «cuantimás, tabla». Además, «roba fulanito, que no lo haga yo». Estas frases, hechas a nuestra medida e inocentemente utilizadas y adoptadas, revelan que, para nosotros, estar en la zaga es un pecado, una sentencia de muerte. Otra vez, «marica el último».
Nuestro lenguaje cotidiano termina asimilando nuestras acciones ilegales. El lenguaje es el cedazo a través del cual el ventajismo se regulariza y se vuelve norma. Una acción se reitera en la práctica, después se lleva al lenguaje cotidiano. Lo usamos de manera desprevenida hasta que la rareza, la excepción, se vuelve común.
Esa forma de estar siempre en ventaja no implica, sin embargo, estarlo por mérito y esfuerzo propio, sino a partir de sacarle provecho al prójimo. Rebuscarnos de él. En sociedades sanas, la competencia es natural. Luchar por imponerse es necesario, siempre y cuando se haga a partir del esfuerzo individual o colectivo, de la constancia y lucha interior.
Pero cuando se carece de capacidad individual, cuando no se tiene inteligencia, cuando se es incapaz de emprender empresas colectivas, nos queda aprovecharnos del caído, del que nos necesita. En otras palabras, del inocente.
Lo contrario del ventajista es el inocente. Por eso, ante tanto vivo viviendo de los inocentes, ante tanto ventajismo desmedido, la opción no es precisamente que todos seamos ventajistas, sino volver a la inocencia.
La inocencia es un estado puro, propio de la infancia. Esta rara vez prefiere la comodidad individual al bienestar colectivo. En esta lucha por sobrevivir, nos obligan a deshacernos de la inocencia. En el colegio, en el trabajo, en el barrio, ser inocente implica estar en los márgenes. Ser el marica, el último. Para medrar socialmente, se nos obliga a poner duro el cuero y arrasar con cuanto encontremos a nuestro paso.
El Día de los Inocentes, del que ya medio mundo anda prevenido, debería servir para celebrar no las triquiñuelas y bromas —después de todo, estas son «pan de todos los días»— sino la inocencia. Celebremos la inocencia sin confundirla con la memez. No nos regodeemos jodiendo al otro, sino ayudándolo. Solidaricémonos en silencio. Sin escándalos. De manera tal que el mundo perezca inocente como nosotros, cuando fuimos los niños.
Desde el año 2013, Fundéu, la Fundación del Español Urgente reconoce no sólo las nuevas palabras, sino todos aquellos términos que han sido importantes dentro de la sociedad y la opinión pública.
El léxico de la lengua española está en constante enriquecimiento con nuevos términos. Muchas de estas palabras se deben a la gran cantidad de anglicismos y tecnicismos que nuestra lengua ha adoptado en los últimos años gracias a la explosión de las redes sociales. Otra también han surgido gracias a la reflexión que se ha llevado a cabo sobre la política, la sociedad, las ciencias y la filosofía.
Desde el año 2013, Fundéu reconoce no sólo las nuevas palabras, sino todas aquellas que han sido parte importante dentro de la sociedad y la opinión pública cada año. La lista de palabras nominadas está constituida por doce palabras. Una de ella se unirá a selfi, refugiado, populismo y aporofobia, que han resultado ganadoras en años anteriores. Aquí la lista:
Dataísmo
El dataísmo se está considerando una nueva religión que no venera a dioses ni a hombres. Su adoración son los datos (de ahí el término). El dataísmo manifiesta que el flujo libre de información es el mayor tesoro de la humanidad.
Procrastinar
El “arte” de dejar las cosas para último momento, y en el peor de los casos, de no hacerlas nunca. El procrastinador busca cualquier excusa para aplazar sus deberes para más tarde o para mañana, hasta que le sobrevienen las consecuencias.
Descarbonizar
Palabra utilizada por los ambientalistas para manifestar su preocupación por las altísimas emisiones de gas carbónico que la humanidad está produciendo y que podría afectar drásticamente el medio ambiente.
Microplásticos
Esta palabra surge de otra preocupación de los ambientalistas. Actualmente, se están encontrando millones de partículas de plástico que afectan gravemente la vida marina. A una tortuga, por ejemplo, le fue extraído un sorbete de las fosas nasales.
VAR (video assistant referee)
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La palabra que más estuvo de moda este año gracias al mundial de Rusia 2018. Una nueva regla del fútbol permite que el juez pueda analizar en video la repetición de cualquier jugada del partido sobre la cual tenga dudas para tomar una decisión más acertada.
Mena (Menor extranjero no acompañado)
Este término hace referencia a la gran cantidad de menores que están emigrando de un país a otro sin acompañantes adultos. Todo un riesgo para ellos en una sociedad cada vez más abusiva.
Hibridar
Este término era usado exclusivamente en biología y biotecnología, pero ahora se usa en la tecnología en general y la mecánica. Para disminuir las emisiones de gas, también es necesario hibridar. Es necesario hacerlo para preservar el medio ambiente.
Nacional-Populismo
Esta palabra surge de una nueva tendencia quizá propia de la política latinoamericana: el nacional-populismo entiende que el desarrollo económico, político y social de una nación sólo es posible con un poderoso caudillo.
Impuestos, cada vez más altos impuestos a las importaciones. Esta palabra cobra vigencia gracias a las medidas proteccionistas de algunos países europeos y de Estados Unidos.
Los nadie
Los nadie es una expresión más que una palabra. Esta es producto del gran flujo de inmigrantes a nivel mundial. Durante el 2018, empezó a surgir una alarmante cantidad de personas sin derechos e ignoradas por la sociedad.
La polémica palabra que sugiere que cualquier situación que involucre a un hombre y una mujer podría estar cargada de una pequeña dosis de machismo que sucede casi siempre inadvertida.
Sobreturismo
Si usted cree que es el único que quiere tomarse una selfie en la muralla china, está muy equivocado. Los espacios públicos ancestrales casi siempre están colapsados por turistas. De allí surge este término.
Las palabras ganadoras los años anteriores fueron: escrache (2013): todo ataque verbal público intimidatorio hacia un político. Selfi (2014): selfie en inglés, esta palabra llegó para quedarse, así que decir autofoto pasó de moda. refugiado (2015): Con la guerra en Siria, la palabra refugiado tomó un significado crítico. populismo (2016): Promesas irrealizables e idealistas con el único fin de conseguir votos. Aporofobia: No, no es xenofobia, es aporofobia, el término que designa el odio a los pobres fue la palabra ganadora el año anterior.
De la lista de doce finalistas de este año, surgen como favoritas VAR, los nadie y nacional-populismo. La decisión, sin embargo, la tiene Fundéu, quien publicará a la ganadora el próximo 29 de diciembre.
Quizás alguno que otro existencialista estuvo cerca de describirlos. Pero no ha sido sino hasta ahora que los conocemos, acertadamente, como los valeverguistas.
La ontología ha querido encontrar al ser ideal para cada época. Algunas veces ha estado cerca y ha sabido incorporar individuos acordes a las demandas de los tiempos cambiantes. Sin embargo, a causa de esa maleabilidad del tiempo, siempre llega el momento en que el hombre sucumbe. Cayó el razonador, el místico, el purista, el superhombre, el optimista y el pesimista. Y aunque es cierto que las sociedades las forman las diferencias o la pluralidad, a todos estos hombres, en algún momento de la vida, los tumba la tristeza, el desespero y hasta la enajenación.
Pero los hay de un tipo, hombres realmente indefinibles, cuyas características los hacen ser los supervivientes de todos los tiempos. Quizás alguno que otro existencialista estuvo cerca de describirlos. Pero no ha sido sino hasta ahora que los conocemos, acertadamente, como los valeverguistas. Hombres capaces de estar por encima de lo moral y lo inmoral, de lo bueno y de lo malo. Capaces de encontrar un nivel de emoción neutro y armonioso, en donde no los perturba ni la efímera felicidad, ni la depresiva tristeza.
Hoy más que nunca, cuando tenemos la certeza de que no hay solución posible contra los problemas que nos aquejan, la mejor forma de defensa es llegar al tope máximo de la evolución, lograr la estabilidad del alma mandando todo al carajo. Ser un perfecto valeverguista. Pero no es sencillo llegar a serlo, para ello debes seguir este decálogo:
I
Crea en un maestro del valeverguismo -Sartre, Kierkegaard, Nietzsche o Camus- como en Dios mismo.
II
Pierda la noción del tiempo. Un valeverguista no sabe qué día es hoy ni cuál será mañana, y mucho menos recuerda las fechas importantes.
III
La puntualidad es sinónimo de interés. Procure llegar siempre tarde y, si es posible, duérmase en el evento.
IV
Cuando enfrente una discusión que se ha extendido demasiado, evite finalizarla con expresiones tenues como «no pretendo discutir más» o «entiendo, pero no estoy de acuerdo». Por el contrario, sentencie tajantemente pero sin exaltación con frases como «¡no me interesa!», «¡me importa un reverendo pepino!», «¡me importa un carajo!» o «¡me vale verga!» (según su origen y estrato social).
V
Nunca muestre entusiasmo por saber las razones que aglomeran una multitud. Un valeverguista no chismorrea, su mundo exterior le es indiferente.
VI
Postergue todas sus actividades y, llegado el último momento, absténgase de realizarlas.
VII
No se escandalice por inesperadas situaciones de peligro como explosiones, accidentes o balaceras. La calma forja el carácter de un valeverguista. Y no le teme a la muerte por considerarla la calma perfecta.
VIII
Muéstrese frío ante las demostraciones de afecto de los demás: si lo saludan, responda con la mano floja; si le hacen un chiste, sonría brevemente con una de las comisuras; si le toca asistir a reuniones familiares, fije su mirada perdida por la ventana. No abrace fuerte, no bese, no ría y nunca llore en público.
IX
Utilice el verbo cagar en sentido figurado para restarle importancia a las instituciones, las tradiciones y las figuras de poder. Recuerde cagarse en la navidad, en la iglesia, en la escuela, en el día de San Valentín, en el enemigo y su descendencia, pero, sobre todo, no olvide cagarse en el presidente y la madre que lo parió.
X
Nunca preste atención a las instrucciones de un decálogo. Al fin y al cabo, a usted todo le vale verga.
El mundo de la crítica cinematográfica cambió con los YouTubers.
Fotografía tomada de glupers.com
El mundo de la crítica cinematográfica cambió con la entrada en escena de los YouTubers. Ya no es necesario esperar a leer la crítica especializada en los diarios nacionales, en YouTube se pueden encontrar críticas de calidad, dadas en un ambiente ameno.
El lenguaje permite que puedan ser disfrutadas tanto para los entendidos, como para los neófitos. Dicho eso, formas circulares trae los cinco canales de YouTube, críticos de cine y TV, que debes ver y seguir.
El nombre de este canal de YouTube está ligado a la serie televisiva Juego de tronos. Es reconocido como uno de los mejores entendidos en el complejo entramado mitológico de la serie. En su canal, es usual encontrar sesiones en vivo donde resuelven dudas sobre el futuro de los personajes, posibles teorías conspiratorias que ponen en peligro a alguno de los protagonistas, e incluso, establecer algunas propias.
Una de las fortalezas de este canal es, casi siempre, poseer información precisa sobre la línea argumental, locaciones de rodajes y diseño de arte de las series y películas próximas a estrenarse. Pueden ser tan acertado en sus predicciones que, en mayo del 2016, la cadena estadounidense HBO entabló un pleito con Youtube por causa de algunos contenidos de su canal.
HBO argumentó que, José Señarís Romaís de nacimiento (Frikidoctor), violentaba los derechos de autor al dar a conocer mucho del argumento de cada capítulo, antes de que éstos se estrenaran en las plataformas oficiales.
Reconocido por sus videos explicativos sobre la mitología de Juego de tronos. Usualmente contrasta el abordaje de la línea argumental presente en la serie, con el desarrollado en los libros que la inspiran. Durán, alterna sus sesiones de análisis de las series del momento, con videos sobre datos poco conocidos de grandes filmes.
Aborda en sus análisis todo tipo de género, basando sus observaciones en tres pilares: actores que rechazaron participaciones en películas que fueron un éxito, datos curiosos sobre grandes producciones, errores en la línea argumental.
Si eres fanático de los cómics, este canal será de tu agrado, pues Jag Durán es de los mejores comparando adaptaciones cinematográficas, como Avengers, con la línea narrativa de los cómics.
A diferencia de los dos primeros, este canal no se casa con el análisis exhaustivo de una serie. Héctor Portillo, generador de contenido para el canal, podría considerarse como el analista de la cartelera. Caja de películas es de los primeros canales en subir críticas de los grandes estrenos del cine hollywoodense, y una que otra película independiente.
Las críticas a los filmes son muy completas. No se queda en la valoración de las actuaciones, pasa por el diseño de arte, construcción del guion, fidelidad de los personajes (si es que éstos están basados en alguna novela gráfica o cómic) y en la coherencia del desarrollo del argumento. Si se tiene la duda sobre gastar dinero y tiempo en un estreno, caja de películas es el canal que debes ver.
Este canal alterna las críticas de cine y TV, con unboxing de objetos coleccionables del mundo de los cómics.
Este canal se concentra en el complicado y divertido mundo de los cómics y sus distintas adaptaciones en la gran pantalla. Cuenta con un número importante de videos en los que se analizan las más recientes creaciones de Marvel Studios, explicando el enmarañado universo de Marvel Cómics para aquellos que son seguidores de las películas, pero desconocen la historia que se narra en los cómics que las inspiraron.
El guion de los videos, aunque sigue siempre la misma estructura, es entretenido. El presentador llama a sus espectadores los McFly, la familia de Martin McFly, protagonista de la trilogía Volver al futuro. El guion intercala pequeños diálogos de las películas Volver al futuro, con el desarrollo del filme a analizar, lo que pone la cuota de humor necesaria, pues algunos de los videos pueden llegar a ser tan complejos como el universo en el que se adentran.
Gabi Meza es la presentadora y guionista de este canal de YouTube. Hace crítica a los estrenos en cartelera, así como algunos filmes del cine independiente. Mientras relata las líneas generales del largometraje, va valorando los aciertos y desaciertos, cuidando no exponer más de la información necesaria, y así dar la posibilidad, a quienes llegan primero a sus videos y luego a los teatros, de disfrutar el suspenso de la trama.
Este canal trabaja con todos los géneros del cine. En él encontrarás videos dedicados al mundo de los super héroes, al drama, la comedia, etc. Fuera de Foco llega hasta el número uno, pues, además de hacer críticas con calidad, da la posibilidad de escuchar a los actores, guionistas y directores de las grandes producciones de Hollywood en entrevistas exclusivas, en donde la presentadora hace las preguntas más recurrentes entre su comunidad de seguidores.
Más interesante que tratar de reconstruir la historia a partir de un hecho estético, como el cine, es ver cómo la nostalgia personal del Cuarón de aquellos años logra manifestarse a través de los detalles de la película.
La semana pasada, Netflix estrenó Roma, película del cineasta mexicano Alfonso Cuarón. Esta semana, la cinta fue seleccionada preliminarmente para participar como mejor película extranjera en la ceremonia del próximo año de los Oscar. Allí pelea con otras nueve cintas entre las que se encuentra Pájaros de verano de los colombianos, Ciro Guerra y Cristina Gallego.
Muchos han sido los comentarios alrededor de la película. Los mexicanos la han recibido con cierto alborozo en un momento en que muchos están llenos de esperanza por la reciente llegada a la presidencia de López Obrador. Para otros, la película es una excusa para viajar en el tiempo y encontrarse con la Ciudad de México de los años setenta.
En el resto del mundo, las preguntas giran alrededor de la futura relación de Netflix con las distribuidoras de todo el mundo, toda vez que Roma es la primera gran apuesta del gigante norteamericano con un director consentido por la Academia. Roma fue presentada primero en festivales —en Venecia se llevó el León de Oro— y después estuvo pocas semanas en salas de España y México, antes de llegar a Netflix.
En Formas Circulares te presentamos tres comentarios que te permitirán apreciar con más detalle Roma, la película de la que todo el mundo está hablando y que, sin duda, es la favorita en la próxima temporada de premios.
Roma es amor de mujer
En Roma¸ las protagonistas son las mujeres. Mujeres abandonadas por hombres, mujeres madres que sostienen el hogar, mujeres con tesón y fortaleza de espíritu. Mientras la imagen de los hombres se extravía entre veleidades, pasiones y la guerra, la mujer permanece siempre.
Las mujeres son el soporte de una casa con cuatro niños que sufren la ausencia velada del padre. La colonia Roma, la ciudad de México, América Latina entera fueron durante la década del setenta —aún hoy lo siguen siendo— territorio de hombres. Los hombres organizaban el universo y eran figuras tutelares en el hogar. Gobernaban con o sin el ejemplo. Pero ante la ausencia de ellos, surge la mujer tal que siempre está pensando en su hogar, como dijo Sábato.
El filme de Cuarón se desarrolla entre 1970 y 1971, en la ciudad de México. Tanto entonces como ahora, la figura paterna era de carácter y orden. A la mujer le quedaba asignada la función del amor por sus hijos. Y si bien todas las mujeres de la película aparecen derrotadas ante los hombres, la cohesión entre ellas y el amor las termina salvando.
La colonia Roma de 1970 es un espacio donde las clases sociales se rozan, pero no se traslapan, se juntan, pero no se mezclan. Todo esto es cierto hasta que el amor y la solidaridad de las mujeres se impone: Cleo y su patrona, Sofía, nos muestran en la escena de la playa como, a pesar de la profunda estratificación social y étnica de México, el amor y la solidaridad son sentimientos más profundos que cualquier configuración social.
Los mejores recuerdos son a blanco y negro
Roma es una película sobre la nostalgia. Está filmada a blanco y negro porque nuestros recuerdos más preciados siempre los almacenamos en dos tonalidades. El blanco y el negro, con sus matices, nos aseguran la profundidad de las cosas, los gestos de las gentes y la delicadeza de los sentimientos. Cuarón quiso ahondar en sus recuerdos de infancia y ofrecernos una película íntima.
Sin embargo, como los buenos novelistas, no se puso él en el centro de la historia, quizá porque lo importante no era su yo del pasado, sino el del presente. Es decir, la forma en que las personas, los lugares y la historia de México fueron configurando su visión como director de cine. Por eso, no era relevante contar la historia de un chico de la clase media alta de la colonia Roma, sino mostrar los detalles más reveladores de una época de convulsiones y revoluciones en México y América Latina. Es así como toda la historia de Roma se cuenta a través de Cleo, la mujer mixteca que trabaja como empleada del servicio en una casa de clase media alta de la colonia Roma.
Más allá de los lugares de la ciudad de México y de las referencias historiográficas, no sabemos qué tanto de lo que cuenta Cuarón queda en el plano de la ficción y qué tanto en el de la realidad. No sabemos tampoco hasta qué punto esa relación de calidez e igualdad entre la señora Sofía y Cleo es producto de pasar por el cedazo de la nostalgia una infancia que, con o sin la presencia del padre, pareció ser apacible.
Más interesante que tratar de reconstruir la historia a partir de un hecho estético, como el cine, es ver cómo la nostalgia personal del Cuarón de aquellos años logra manifestarse a través de los detalles de la película.
Para Cuarón, lo importante fue construir su versión de la ciudad de México en la que creció, que no es necesariamente la Ciudad de México de 1970. Para ello, recurre a los planos abiertos de algunos sitios del DF como el Teatro Metropolitan o el Centro Médico Siglo XXI. Pero también están los terremotos que históricamente se han dado en la ciudad de México y las protestas estudiantiles del año 1971 que produjo la Matanza del Jueves del Corpus a manos del grupo paramilitar Los Halcones.
Las señales
Aunque parezca una historia plana y desabrida, Roma se constituye en una pieza hermosa a partir de los detalles. Por eso, el espectador debe estar pendiente de cómo, detrás de cada acción, hay un símbolo que apunta a la construcción global de sentido de la cinta. En Roma, no hay ningún cabo suelto sino muchos índices desperdigados. Juntarlos todos y entenderlos en el contexto de la cinta es labor del espectador.
Aunque es una película profundamente mexicana y los mexicanos se han sentido retratados con cada plano, su comprensión es posible gracias a las realidades compartidas de los latinoamericanos. Así, la estratificación, la discriminación étnica, el paramilitarismo y las protestas estudiantiles son realidades que los latinoamericanos vivieron a lo largo de la segunda mitad del siglo XX.
Hay, por ejemplo, una correspondencia entre la imagen que queda viendo Cleo en el hospital durante el terremoto y lo que termina ocurriendo con ella el día de la Matanza del Jueves del Corpus. Lo uno es anticipo de lo otro. Los dos sucesos históricos —el terremoto y El Halconazo— se cruzan en la vida personal de Cleo para definir su destino.
En la cinta, están las salas de teatro que son definitivas para los personajes de la historia, pero también para Alfonso Cuarón. En el teatro de su infancia, Cuarón vio por primera vez las imágenes de Gravity, la cinta con la que ganaría un Oscar como mejor director. También son detalles interesantes los aviones que sobrevuelan contantemente la Ciudad de México, el contraste entre la vida en la colonia Roma —el centro— y el barrio en que vive Fermín —la periferia—, y el plano en que, en medio del entrenamiento militar a Los Halcones, Cleo es la única que puede hacer la posición del Profesor Zovek.
Muchas de las grandes obras de la literatura se empiezan a cocinar en el seno de los círculos intelectuales. Allí sus autores logran encontrar un ambiente propicio para agudizar la compresión de la realidad e ir formando su propuesta estética e ideológica
Muchas de las grandes obras de la literatura se empiezan a cocinar en el seno de los círculos intelectuales. Allí sus autores logran encontrar un ambiente propicio para agudizar la compresión de la realidad e ir formando su propuesta estética e ideológica. Ha habido muchos de estos grupos en la historia. Algunos de ellos planificaban sus encuentros y hasta elegían un nombre que los identificara, otros compartían encuentros esporádicos y, casi inconscientemente, producían obras que reflejaban la afinidad de sus ideales.
Sea porque crearon conscientemente un colectivo o porque las circunstancias y el tiempo los ha dado a conocer bajo el nombre de un grupo, lo cierto es que acá les traemos a los cinco círculos literarios más influyentes de la historia.
La generación del 98
Conformada por escritores españoles que en la última parte del siglo XIX expresaban sus sentires de dolor de patria por la crisis que atravesaba España, producto de la guerra hispano-estadounidense. Miguel de Unamuno, Ramón del Valle-Inclán, Jacinto Benavente, Pío Baroja, Vicente Blasco Ibáñez y Antonio Machado son algunos de los miembros de esta generación. Solían reunirse en el conocido Café de Madrid, en la Cervecería inglesa o en el Café de Fornos para charlar acerca de los problemas que aquejaba su país o para burlarse de las extensas frases que empleaban las obras Realistas en sus descripciones.
De sus plumas surgieron la novela impresionista y los dramas filosóficos, pero manteniendo la distancia de la retórica pomposa. Estos escritores legaron a la literatura una prosa profunda y asequible para cualquier lector. Fueron una transición estética en las letras, un puente hecho de patriótico romanticismo, nuevas corrientes filosóficas irracionales y una estilística moderna.
Los poetas malditos
Con este nombre se conoce a un grupo de intelectuales franceses de finales del siglo XIX que renovaron la lírica para siempre. Paul Verlain, miembro de este grupo, publicó en 1884 una serie de ensayos titulado Los poetas malditos, en la que se describe la relación directa que hay entre la estética provocativa de sus poemas y su estilo de vida irreverente y bohemio. En el libro aparecen los nombres de los poetas Tristan Corbière, Arthur Rimbaud, Stéphane Mallarmé, Marceline Desbordes-Valmore, Auguste Villiers de L’Isle-Adam y el propio Verlain. Sin embargo, hay que considerar a Baudelaire como miembro porque fue mentor de estas ideas de renovación en la poesía, que incluían la ruptura de los parámetros de la rima y la libertad del verso.
Se les conoce como malditos porque sus vidas fueron trágicas. La mayoría no llego a la vejez, producto de sus excesos, y su reconocimiento universal llegó póstumamente. Sus poemas eran considerados inmorales y satánicos, igual que sus estilos de vida. Algunos solían frecuentar prostíbulos y hacer de las prostitutas los personajes centrales de sus textos. Otros mantenían abiertas relaciones homosexuales que escandalizaban a la sociedad de la época. También solían escandalizarla con bromas, como llegar harapientos a reuniones burguesas o caminar por importantes calles de París con una rata en la mano.
Sus estilos de vida provocadores eran tan eficaces como la calidad de su obra. Algunos hicieron parte del movimiento Parnasiano, otros del Simbolismo y otros del Decadentismo. Algunos pasaron de uno a otro movimiento, y a su vez, todas estas corrientes inician el Modernismo en la poesía y se consideran precursoras de las vanguardias literarias.
El círculo de Bloomsbury
Este grupo de intelectuales británicos, si bien no estaba conformado sólo por escritores, tuvo una profunda repercusión en la literatura. Era un grupo que apostaba conscientemente por una postura política, estética y filosófica. Y se enfocaba mucho en la idea de conseguir la libertad individual como forma de buscar la felicidad. La influencia de G. E. Moore y Bertrand Russell fue decisiva para los miembros. La idea del individualismo y la intimidad como búsquedas del placer y el amor, inspiraron a una de los miembros a escribir una obra que refleja toda esta filosofía, tal es la obra de Virginia Woolf. Esta escritora expuso en sus novelas la búsqueda de ese individualismo a través de la técnica del flujo de consciencia.
El grupo se hacía llamar El círculo de Bloomsbury en honor al barrio de Londres con ese nombre, y en el cual empezaron las reuniones alrededor del año 1907. Entre sus miembros destacan Vanessa Bell, E. M. Forster, Roger Fry, Duncan Grant, John Maynard Keynes, Desmond MacCarthy, Lytton Strachey, Leonard Woolf y Virginia Woolf. Si bien, con una postura muy distinta a la de los poetas malditos, estos pensadores abrieron otras posibilidades en la creación literaria, enfocadas claramente al despertar de ideas liberales que siguen buscando espacio en la actualidad.
Grupo de estadounidenses conformado por John Dos Passos, Ezra Pound, Erskine Caldwell, William Faulkner, Ernest Hemingway, John Steinbeck, Sherwood Anderson y Francis Scott Fitzgerald. Al igual que la generación del 98, estos estuvieron profundamente marcados por una guerra, la Primera Guerra Mundial. También se vieron expatriados, lo que los hizo encontrarse sobre todo en París, pero también en otras partes de Europa donde moldeaban sus obras.
El círculo de Bloomsbury
La generación perdida es un nombre que les acuña la escritora Gertrude Stein al recriminarles su excesivo pesimismo y su abuso del alcohol. Su estética refleja este estado que se ha entendido como reflejo de la Gran depresión del 29. Son, aunque expatriados, autores de una literatura de profundo sentir estadounidense y estéticamente experimentadores de las técnicas modernas. Supieron combinar en sus obras el collage, la técnica cinematográfica, el diálogo, el monólogo y el narrador omnisciente; y todos con excelsa maestría. La generación perdida le imprimió versatilidad a la literatura.
El grupo de Barranquilla
Los escritores latinoamericanos estaban fuertemente influenciados por la versatilidad que demostraban los norteamericanos de la Generación Perdida, pero hacía falta, con ese uso de la técnica, mostrar la realidad mágica de estos pueblos. El grupo de Barranquilla significó el ambiente en el que cuajó de mejor manera esta idea.
Un grupo de soñadores conformado por José Félix Fuenmayor, el catalán, Ramón Vinyes, Alfonso Fuenmayor, Álvaro Cepeda Samudio, Germán Vargas, Gabriel García Márquez, Alejandro Obregón, entre otros se reunían con frecuencia para entablar conversaciones que iban desde la crítica de arte y cine hasta la charla insulsa pero divertida. Se alimentaban tanto de la crítica seria como de la charla pueril y socarrona para solventar una obra que mostraría esas características: por un lado, el mundo maravilloso y soñador del Realismo Mágico, y por otro, una carga de humor casi espontáneo que configuraría una literatura sorprendente y vivaz.
En Colombia, el colectivo de El grupo de Barranquilla fue el núcleo donde se forjó una expresión latinoamericana que recorrió todo el mundo. García Márquez, que fue el más descollante del grupo, no sólo representaría una visión de mundo de un pueblo costero de Colombia, sino que sería la bandera de todo un movimiento que representaba al llamado «boom» latinoamericano. La avanzada literaria esta vez estaba a cargo de Latinoamérica y el grupo de Barranquilla fue decisivo.
Luego de conocerse las llaves de los enfrentamientos directos por los octavos de final de la Champions League, hay, como siempre, gran expectativa por lo que pueda pasar en el 2019 con equipos históricos que vuelven a meterse en la pugna por «la orejona»
Luego de conocerse las llaves de los enfrentamientos directos por los octavos de final de la Champions League, hay, como siempre, gran expectativa por lo que pueda pasar en el 2019 con equipos históricos que vuelven a meterse en la pugna por La orejona, como es el caso del Liverpool, y otros que, como el Barcelona y la Juventus, están llamados a acabar con la hegemonía del Real Madrid. Un escalón por debajo están: Manchester City, PSG, Bayern, Dortmund y el Atlético de Madrid. Y no podían faltar los que, sin chances claras de ganar el campeonato, quieren aguarle la fiesta a más de uno.
En Formas Circulares te contamos como creemos que se jugarán las llaves de acuerdo a las fortalezas y fragilidades de cada equipo.
Roma vs Porto. La Roma llega a los octavos de final luego de haber ganado tres de los seis partidos que disputó en el grupo G, el mismo del Real Madrid.
Los giallorossi esperan llegar tan lejos como puedan en esta Champions. Su primer rival, los dragones azules de Portugal, llegan a octavos como invictos y primeros de su grupo, con un promedio de 3 goles por partido y con Moussa Marega en el puesto ocho de la tabla de artilleros, con 5 anotaciones. Los italianos, por su parte, registran un promedio de 0,45 goles por encuentro, a pesar de que Edin Džeko también figura en la lista de goleadores con los mismos tantos del portugués Marega.
El juego de ambos es similar: transiciones rápidas, salida por los extremos y centros para que se defina en el área. Los dos equipos tienen jugadores de buen pie en la mitad de la cancha: Pastore y De Rossi por Roma, y por Porto, los mexicanos Herrera y Jesús «el tecatito» Corona.
Sin embargo, la diferencia se marca en las porterías, puesto que el legendario Iker Casillas defiende el arco de los dragones, mientras que el sueco Olsen –recordado por ser el arquero al que Tony Kross le marca un soberbio golazo de tiro libre sobre el final del partido en el pasado mundial de Rusia– es quien resguarda los tres palos de la Roma. Naturalmente, Olsen es buen arquero (a cualquiera le hacen un gol de tiro libre) pero Casillas, al igual que Buffon, no han perdido la costumbre de sorprendernos a todos con atajadas imposibles. Como si fueran jóvenes.
Manchester United vs París Saint Germain A menudo, los números mienten. Las estadísticas revelan que el PSG, en la fase de grupos, anotó diecisiete goles y que los goles en contra los recibió de equipos fuertes como el Napoli y el Liverpool. Podría pensarse que eso estaba dentro de los planes y que hay que considerarlo como un serio candidato a ganar la Champions. Los números nos están mintiendo. Lo hacen porque el PSG cumple, del mismo modo que el equipo de Mourinho, con todos los requisitos que se debe tener para ser un equipo desordenado. Ambos son, de distintas maneras, anarquía pura.
Los diablos rojos no hacen tantos goles como su rival, esto es porque son más atletas que futbolistas: no articulan jugadas que, a fuerza de repetirlas en la cancha, los conviertan en un equipo con identidad de juego. Solo dependen de una escapada de Rashford o un gol a trompicones de Lukaku. No dejemos por fuera un cabezazo de Fellaini como último recurso.
Por su lado, el París Saint Germain hace lo mismo, pero con talento. Eso quiere decir que ser demasiado talentoso, sin orden, es lo mismo que ser demasiado torpe. Cuando el PSG juega con Neymar, Mbappé y Cavani, todos los ataques llevan una alta dosis de amenaza. Porque de la única manera que pueden convertir es cuando alguno de estos tres, o los tres, se iluminan.
Detrás de este tridente, ha quedado una versión muy disminuida de Marco Verratti, Adrien Rabiot y Julian Draxler. Eso ha hecho que el equipo hoy no tenga elaboración y, por lo tanto, sea incapaz de repetir buenos partidos ante equipos de élite. Y ello le ha costado la vida. Al final, se impondrá el que no lo haga tan mal.
Tottenham vs Borussia Dortmund Este es uno de los mejores partidos que nos ofrecen los octavos. El equipo alemán marcha primero en la Bundesliga, mientras que los londinenses son terceros en la Premier League. En los enfrentamientos por Champions, ambos equipos solo se han encontrado dos veces, fue en la edición pasada, donde compartieron el grupo H. Tottenham pasó primero y Dortmund quedó eliminado.
Los dirigidos por Pochettino se reconocen, como típico equipo inglés, por un futbol directo. No obstante, han sabido integrar a su juego conceptos de ataque más mixtos, con una elaboración más paciente en partidos cerrados. Tottenham es un equipo que puede jugar a lo que sea. Tiene jugadores para contragolpear: Son, Dele Alli, Sissoko. Tiene elementos para construir una jugada de peligro al borde del área: Eriksen, Moura, Lamela. Puede ganar en el juego aéreo: Davinson, Vertonghen, Davies. Puede hacer todo lo anterior: Kane.
Pero el Dortmund tiene lo suyo. Como en los mejores tiempos, este Dortmund se ha acordado de jugar bien y ganar. Ahora, aparecen los nombres de una nueva generación de jugadores que son tan funcionales como lo fueron los de Klopp: Pulisic, Sancho, el renovado Paco Alcácer, Weigl, acompañados de los mayores del equipo: Mario Götze y Marco Reus, del que esperamos no se vuelva a lesionar.
La defensa del Dortmund es una muralla. Solo le anotaron dos goles en cinco juegos. Pasó como primero de su grupo, al igualar en puntos con el Atlético de Madrid pero, gracias a la paliza (4-0) que le propinó en el Signal Iduna Park, los alemanes se quedaron con el liderato.
Sus números en ataques son buenos: dos goles por partido es su promedio. Convierte goles y no le marcan. El Dortmund es un equipo equilibrado. El único mal del adolecen es el de, generalmente, no ser un escollo difícil para los equipos grandes en instancias decisivas. Se desinflan. Se pierden.
Ajax vs Real Madrid Al Madrid ya le han dado su regalo de navidad, ¿no? Los holandeses, claramente, no son un mal equipo, pero son jóvenes y el Madrid es un viejo al que lo acusan de malas mañas. De Ligt y De Jong podrían salir del equipo para la próxima temporada. Ambos son pretendidos por más de un gigante europeo, por lo que se intuye que, de efectuarse su salida, el equipo holandés perdería así alguna oportunidad de eliminar al equipo de Florentino Pérez, en especial porque el cuadro merengue tiene la necesidad de reforzar sus líneas.
El Ajax, al ser un equipo que en lugar de comprar figuras prefiere formarlas (y venderlas, desde luego) no tiene como prioridad ganar un torneo como la Champions League en esta edición. La última vez que lo hizo fue en la temporada 94/95 ante el AC Milán, de Italia. En ese equipo estaban Patrick Kluivert y Clarence Seedorf. Ello no quiere decir que no lo intentarán, pero necesitarán más que buen fútbol para eso. El Madrid ha demostrado ser un equipo sagaz en estas instancias.
Desde la salida de Cristiano Ronaldo, los blancos han perdido la contundencia en su juego. Ya ni siquiera es cuestión de mala suerte. Se ve a Marcelo inseguro. Kross, yerra un pase, y todo lo que ello significa. Bale sigue siendo de Cristal. Isco se pelea con la afición. Modric gana el balón de oro y Casemiro dice que no lo merecía. Keylor Navas, suplente. Si el partido fuera mañana, el Ajax le ganaría al Real Madrid. Pero queda mucho tiempo para que el partido inicie y la casa blanca no quiere soltar el trono de Europa.
Olympique Lyon vs FC Barcelona Después de lo de Roma, ya no se puede decir que el Barça ganará un partido antes de jugarlo. El estigma que deberá cargar este equipo catalán es el de ganar lo más difícil (vencer a un Chelsea que lo tenía contra las cuerdas) y perder lo más fácil (no saber mantener una ventaja de tres goles o, en su defecto, anotar un gol como visitante). Este Barcelona ha sido así en los últimos años: ha envejecido a la par de sus ídolos.
Messi, que ahora es más cerebral que nunca, ha dicho que esta vez no será igual. Van por todo. El equipo de Valverde tiene en esta temporada a un jugador que puede hacer que eso sea posible: el recién llegado Arturo Vidal. El «rey Arturo» cubre lo largo y ancho del campo de fútbol. Es un animal de la marca y, al mismo tiempo, un delantero más. Vidal recorre las distancias que a Busquets le cuestan. Vidal está en todas partes.
Los blaugrana ya no son aquel flamante equipo del «tiki-taka» que desgastaba al adversario, obligándolo a correr como dementes detrás del balón durante los noventa minutos. Ahora, sucumben con más facilidad a la presión del equipo rival y no perforan tan fácilmente las defensas contrarias.
Por otro lado, el Lyon, quien en fase de grupos sorprendió a todos ganándole al Manchester City, no necesita tener mucho tiempo el balón para marcar goles. Sin bien «los ciudadanos» están muy lejos de ser un equipo como era el de Pep, sí tienen los mecanismos de juego automatizados que requiere el fútbol de posesión. Pero el Lyon supo derrotarlo. Por eso, puede esperarse que ocurra lo mismo con este Barça de juego inestable, pero con una fundamentación táctica basada en la cultura de juego que Guardiola engrandeció alguna vez.
Los franceses acudirán a sus contragolpes fulminantes y a su solidez defensiva: en esta Champions no han perdido en casa. No obstante, deben ser precavidos con lo que puedan hacer los diez jugadores del Barça. A Messi hay que excluirlo, porque está por encima de cualquier precaución.
Liverpool vs Bayer de Múnich A estas alturas es claro que nadie quería enfrentar al Liverpool. No precisamente por lo que dicen los resultados: perdió tres de los 6 partidos que jugó, clasificando segundo, detrás del PSG. Ya habíamos dicho que los números mienten.
El equipo de Klopp es demoledor en el área rival y muy férreo en la propia. Atrás quedó el equipo asustadizo que perdió la final de la pasada edición de Champions. El Liverpool de hoy ha encontrado en Virgil van Dijk, y en su portero Alisson, motivos para dormir tranquilos y concentrar su poderío en las transiciones rápidas para que Mané, Firmino y Salah se cansen de hacer goles. Entre ellos hay 23 anotaciones en Premier League.
Mientras tanto, el Bayern se debate entre despedir o no a Kovač. El equipo Alemán marcha tercero en la Bundesliga y su juego no convence. Tolisso, Coman, Thiago Alcántara y James verán acción el próximo año y, por ende, llegarán sin ritmo a un equipo que necesita volver a ser sólido defensivamente y efectivo en el ataque. Hasta el momento Lewandosky hace lo suyo y mantiene la calma, pero… ¿podrá en esa soledad ganarle el pulso a los rojos de Anfield?
Atlético de Madrid vs Juventus Este es el partido de la jornada. En la ida y en la vuelta. Con partidos de este talante el marcador casi ni se mueve, porque juega el Atlético, y con el equipo del «cholo» Simeone los nervios van hasta el final. Simeone no conoce la tranquilidad.
La Vecchia Signora de Cristiano Ronaldo juega como siempre, no ha cambiado su tesitura a pesar de la llegada del astro portugués. Bonucci y Chiellini parece que no envejecieran. Dybala, cada vez tiene mejor zurda. Mandzukic, el incansable, ahora es más nueve que nunca. Cristiano juega de extremo, como en sus inicios, y ya tiene 11 goles en la Serie A. La parte más frágil está en la portería, porque se fue Gigi. Sin embargo, Szczęsny no está mal.
El Atlético, en cambio, tiene bajo los tres palos un cerrojo llamado Jan Oblak. Y una defensa que no tiene nada que envidiar a la bianconera: Godín, Savic o Giménez. Lo anterior hace suponer que este partido será cerrado y de mucha intensidad en el juego aéreo. Cristiano ya sabe lo que es convertirle al Atlético, y Griezmann quiere demostrar que está a la altura de lo que se dice de él.
Ambos tienen estilos de juego muy parecidos, el contragolpe es su arma predilecta (¿han notado que esa es el arma predilecta de casi todos?) y, aunque a Juventus le gusta un poco más el balón, el Atlético entiende mejor qué hacer con él.
Schalke 04 vs Manchester City En el papel, el partido debería ser un trámite para el Manchester City. Todos nos imaginamos desde ya un monólogo interminable de pases por parte de los Cityzens, y ni qué decir de los goles. Eso es lo dictamina el sentido común, por ello, es un partido que carece de atractivos para el fanático del fútbol.
A las virtudes del equipo de Guardiola, se suman la muy mala campaña del Schalke en la Bundesliga. Actualmente marcha en el puesto trece, con 15 puntos. Solo tres puntos lo separan de la zona de descenso. El City, por el contrario, marcha segundo en la Premier League, con 44 puntos, a uno del líder Liverpool.
Todo torneo tiene sus sorpresas. El Schalke 04 buscará la hazaña eliminando a uno de los favoritos. Por su parte el Manchester City también buscará la suya, pues parece difícil que gane la Champions con el mismo desparpajo con el que gana en Inglaterra.
El año próximo podría ser el punto de referencia para indicar la fecha en que las plataformas de streaming comenzaron a ganar un espacio que, hasta el momento, era exclusivo de los teatros.
Quizá 2019 sea uno de los más cargados de emociones, cambios y peculiaridades en la historia de la gran pantalla. El año próximo podría ser el punto de referencia para indicar la fecha en que las plataformas de streaming comenzaron a ganar un espacio que, hasta el momento, era exclusivo de los teatros.
En 2019, el público sabrá si se pudo hacer realidad el rescate de uno de los clásicos del cine, o si por el contrario, no pudo hacer honores a su pasado. También, los cinéfilos verán la segunda entrega de una película de terror que dejó intrigado al público. Por todo ello, Formas circulares recomienda las cinco películas que no puedes perderte en 2019.
Película dirigida por Martin Scorsese. El guion está basado en el libro I heard you paint houses de Charles Brandt. En este filme Scorsese retoma el género gánster, al llevar a la gran pantalla la historia del asesinato del reconocido líder sindical James Riddle, mejor conocido como «Jimmy» Hoffa.
El guion del largometraje fue escrito por Steven Zaillian, recordado por su trabajo en La lista de Schindler. Contará con la participación de Robert De Niro, Al Pacino y Harvey Keitel.
Luego de una tortuosa fase de negociación, en la que los derechos de distribución pasaron de una mano a otra, la Paramount Pictures se quedó con los derechos de distribución de la película para Estados Unidos, mientras que STX Entertainment logró hacerse con los derechos internacionales.
Sin embargo, a principios del 2018 se conocía que Paramount abandonaba el proyecto por su alto costo, dejando la producción herida de muerte. En este punto, inicia la mayor peculiaridad de este próximo estreno.
Netflix entra a salvar el proyecto al comprar todos los derechos de distribución del filme, que hasta el momento tiene invertidos ciento setenta y cinco millones de dólares. The Irishman será una de las primeras grandes producciones en ser estrenada directamente en una plataforma de streaming, y también pudiera ser la primera gran producción hollywoodense en no competir por los Oscar, pues se verá solo en algunas salas de cine en el mundo.
4. Glass
Fotografía tomada de findelahistoria.com
Película escrita, producida y dirigida por M. Night Shyamalan, reconocido por su trabajo en Sexto sentido, filme de 1999. En este proyecto, Shyamalan crea un guion en el que convergen dos de sus trabajos anteriores: El protegido, película del año 2000, y Fragmentado, del año 2016.
Glass le da vida a dos de los personajes de El protegido: al guardia de seguridad David Dunn (Bruce Willis), un hombre con fuerza sobrehumana que no puede ser herido, y Elijah Price (Samuel L. Jackson), el villano que busca a humanos con habilidades especiales, aún si debe realizar actos terroristas para identificarlos.
En 2016, Shyamalan, con una historia simple y una gran actuación de James McAvoy, volvió a los éxitos taquilleros y los aplausos de la crítica especializada con Fragmentado. El filme contaba la historia de Kevin, un hombre con desorden de personalidad disociativa, en cuyo cuerpo conviven 23 personalidades. Cuando una personalidad toma el mando de su cuerpo, este tiene alteraciones en el habla, el desarrollo muscular, la forma de caminar, etc.
La personalidad número 23 es La Bestia, un tipo de personalidad animalesca que le da fuerza sobrehumana, cuerpo indestructible, etc. En Glass se verá cómo Elijah Price tiene mucho qué ver con este villano, al parecer creado para destruir a David Dunn.
3. It: chapter 2
Fotografía tomada de flickreel.com
Dirigida por Andrés Muschietti, It: chapter 2 da un gran salto en el tiempo. Los niños que lucharon contra It en la primera entrega, ahora son unos jóvenes que presencian una nueva oleada de desapariciones de niños. Ante este hecho, los jóvenes deberán decidir entre actuar, y destruir a It de forma definitiva o continuar con su vida adulta, indiferente a las desapariciones, como las generaciones anteriores del pueblo.
En esta segunda entrega, el guion se adentrará en la explicación del origen de It, y su larga estancia en la tierra.
Este filme genera expectativa, pues la versión de 2017 fue duramente criticada por lo superficial del guion, la poca personalidad dada al payaso asesino, y por haber preferido el terror explícito a la construcción de escenas realmente tensas y el uso de diversos elementos narrativos.
Al hablar de este próximo estreno, no se puede dejar de mencionar la actuación de Bill Skarsgård, quien dio vida a Pennywise en la primera entrega y logró una interpretación alejada del trabajo de Tim Curry, en la serie del año 1990. S
2. Star Wars: Episode IX
Fotografía tomada de integratemedia.es
Dirigida por J.J. Abrams, Star Wars: Episode IX busca consolidar la rectificación de su camino. Luego de un flojo inicio con El despertar de la fuerza, la nueva trilogía quedó entre dicho por la evidente falta de cohesión entre su primera entrega y Los últimos Jedi. Tal parece que tener guionistas para cada entrega, ha dejado como saldo la falta de continuidad lógica en sus argumentos.
Con El último jedi, vuelve la épica, los héroes, la constante sensación de derrota para la Fuerza. Un guion mejor estructurado que se centra en lo que ha hecho grande a Star Wars: la persistente duda en sus protagonistas en darse al servicio de la fuerza o entregarse al lado oscuro.
Todo parece indicar que el guion del Episodio IX seguirá por la misma senda de El último Jedi, cerrando con un final épico las aventuras de Luke Skywalker.
1. Once upon a time in Hollywood
Fotografía tomada de enelrollo.com
Es la novena película de Quentin Tarantino. Pensada para ser estrenada en julio del 2019, Once upon a time in Hollywood, narra uno de los asesinatos de la familia Manson: el de la actriz Sharon Tate, interpretada por Margot Robbie, quien fue asesinada a puñaladas estando embarazada.
Protagonizada por Brad Pitt y Leonardo DiCaprio, el guion se adentra en la historia de Rick Dalton (Leonardo Di Caprio), un actor de televisión que quiere entrar en el mundo del cine, que junto a su doble de riesgo (Brad Pit), intentan impulsar su carrera utilizando la amistad entre Rick y Sharon Tate.
Conocedores del estilo de narración de Tarantino, Once Upon a Time In Hollywood es un filme prometedor. En palabras del director, «es uno de los últimos filmes que rodaré», lo que hace de este estreno uno de los más esperados para el 2019.
En el extremo inferior derecho de esta fotografía, aparece un hombre que ni asiente ni desafía. Que no mira al frente para arrodillarse ni para retar. Este personajillo prefiere darle la espalda a lo que ocurre.
La historia de August Landmesser todo el mundo la conoce. Landmesser fue un obrero alemán que trabajaba para el astillero Blohm + Voss, en Hamburgo. Su historia tiene todos los ingredientes para otro capítulo de la épica de la humanidad.
August Landmesser fue expulsado del partido Nazi por casarse con una mujer judía. Después, cuando ya tenía una hija con Irma Eckler, su esposa, fue confinado a una cárcel acusado de deshonrar la raza alemana. Era 1937, y el nazismo hacía ebullición en el corazón de todo el pueblo alemán. Cuando fue apresado, August Landmesser intentaba huir hacia Dinamarca con su mujer y con Ingrid, su primera hija.
Al año siguiente, fue obligado por el régimen a romper su lazo matrimonial con Irma. Ante su negativa, fue llevado preso a un campo de concentración por tres años. Su esposa, entonces en embarazo, también fue llevada a uno. Allí dio a luz a su segunda hija, Irene. August Landmesser jamás la conocería.
En 1941, el obrero fue puesto en libertad y obligado a ir al frente de batalla. De él no se volvió a saber nunca más hasta1991, cuando Irene reconoció a su padre en un periódico de la época. Irma Eckler también había muerto mucho antes en un campo de exterminio. Sus dos hijas, Ingrid e Irene, fueron entregadas a su abuela y a un orfanato, respectivamente.
Pero no es por su vida que es reconocido August Landmesser. Historias como estas fueron pan diario durante la Alemania Nazi y la Segunda Guerra Mundial. A Landmesser, la historia lo recuerda por la foto del periódico donde lo vio Irma. Esta imagen es uno de los mayores símbolos de rebeldía surgidos en el corazón de la Alemania de Hitler.
Mientras trabajaba en el astillero Blohm + Voss, en 1936, el Partido Nacional Socialista organizó la inauguración de una nueva nave. Centenares de obreros se apostaron al frente de esta y al unísono hicieron el saludo fascista.
La foto —a blanco y negro— muestra a todos los obreros con su mano derecha extendida en ángulo de cuarenta grados. A todos, salvo a Landmesser, quien, en medio del cuadro, luce desafiante con sus brazos cruzados. El hombre cruzado de brazos en medio del saludo nazi —título de la foto— es una de las imágenes memorables del siglo XX y es símbolo de resistencia ante el oprobio.
Al hombre siempre lo han puesto en medio de dos aguas, de dos opciones: la aquiescencia o la resistencia. Los aplausos o los chiflidos. Barrabas o Jesús. Sin embargo, la vida no siempre se mide en términos dialécticos. Y hay a quienes no nos interesa entenderlo en tales términos. A veces surge una tercera vía. En cuanto al cumplimiento de las órdenes o la desobediencia se trata, esa tercera vía es el valeverguismo.
En la foto de Landmesser, parece que la historia es dialéctica pura: los que asienten, la mayoría; y Landmesser, el que resiste. Los vasallos versus el iconoclasta. Los que aceptan la realidad y los que mueren intentando cambiarla.
Pero hay que observar al dedillo cada uno de los obreros de la foto para caer en cuenta que en ella no predomina la dialéctica, sino que surge, tan silenciosa como siempre, la tercera vía.
En el extremo inferior derecho de la fotografía, aparece otro hombre que ni asiente ni desafía. Que no mira al frente para arrodillarse ni para retar. Este personajillo —ignorado por la historia— prefiere darle la espalda a lo que ocurre. Su actitud, sin embargo, no debe confundirse con el fofo escapismo de nuestro siglo XXI. Porque una cosa es el escapismo y otra, el valeverguismo.
El escapismo es medroso y tibio, el valeverguismo es envalentonado y cruel. Toda actitud escapista es producto de una inseguridad interior: como no puedo reafirmarme a mí mismo como individuo, difícilmente puedo opinar sobre lo que ocurre a mi alrededor. El valeverguismo, por el contrario, parte de un pleno reconocimiento de que nuestro exterior vale verga. Y que, por mucho que nos esforcemos por cambiar la historia, esta no depende de nosotros. Por tanto, antes que los otros, yo.
Todo valeverguista tiene una personalidad definida y fuerte. Y por ello, se reafirma en sí misma, en su individualidad, para mandar a la verga todo cuanto ocurre.
Mientras Landmesser está en el centro de la foto, nuestro ignorado personaje está en un extremo. Porque el valeverguista, en tanto automarginado, se acepta como tal. Su vida no recorre el glorioso camino de vivas multitudinarias o acciones épicas. La vida para el valeverguista es un breve instante. Por eso, no vale la pena sacrificarse en campañas que siempre terminan en fracaso. Toda pelea con el mundo —piensa el valeverguista— es ya una derrota personal.
Su lugar no está en los libros de historia, sino en los de ficción. Prefiere ser Meursault que Napoleón.
No sabemos qué final concreto tuvo Landmesser, pero sabemos que con el tiempo la gloria terminó arropándolo. Toda fotografía capta un momento justo. Quizá Landmesser y nuestro bonachón personajillo se vieron obligados a levantar la mano y a gritar «Sieg Heil». Quizá la fotografía nos ha vendido siempre una mentira.
¿Qué sabemos de nuestro personajillo anónimo?: ¿Cayó en el frente de batalla a manos del Ejército Rojo?, ¿Murió siendo un abuelo bonachón rodeado de una veintena de nietos? No lo sabemos. Pero si él era un perfecto valeverguista, tampoco ha de importarle.
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